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Millet y el realismo

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Millet y el realismo

Millet es la otra cara de la moneda de Daumier. Su pintura es mucho más sosegada y estática, más atenta a la representación de la realidad. Millet desprecia la teatralidad de las imágenes para producir un golpe de efecto. En Millet percibimos todo lo contrario que en las obras de Daumier; un universo recogido, íntimo, en lo que lo sencillo se eleva a categoría clásica.

Los protagonistas de las obras de Millet son los campesinos. Ya anteriormente, en la Historia del Arte, se había realizado cuadros con campesinos como los de Brueghel, pero siempre se les representaba como unos holgazanes borrachos.

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Millet retrata a la población rural más pobre de Francia, pero eleva la dignidad de los campesinos, a través de sus figuras clásicas les otorga de una nueva importancia.  Esta temática artística, que  fue muy popular, se minimizó su peligrosa y latente fuerza social debido a que se interpretó de un modo más prosaico, evocando a un mundo de sencillez e ignorancia. Se trata de una  argucia política muy interesante si tenemos en cuenta que la gran batalla de la izquierda se estaba empezando a centrar en el mundo rural, una vez desalentado el proletariado urbano, como ha demostrado Clark.

Millet a partir de la dignidad pictórica no sólo revitalizaba, en un contexto agrario, el vocabulario heredado del arte clasicista, sino que también les decía implícitamente a los burgueses que acudían a los Salones a ver sus obras, que debían de tomar a este grupo de población en serio, como una fuerza emergente.

Su pintura, tendió siempre a ser opaca y terrosa. Baudelaire, espíritu clarividente, pero agrio, le echaba en cara los asuntos de sus cuadros: “Hace alarde de un sombrío y embrutecimiento en sus campesinos que excita nuestro furor. Parecen decirnos: somos los “desheredados” del mundo, los únicos que “producimos gracias a nuestro trabajo”. La representación de trabajadores o campesinos como protagonista de los cuadros ponía un tanto nerviosos a algunos escritores del momento y a burgueses. En sus escritos tildaba a los más desfavorecidos como unos animales incultos, estúpidos  y borrachos.

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En el Angelus dos campesinos interrumpen su trabajo mientras rezan. Es la primera vez que dos campesinos centran hegemónicamente la temática de una pintura. Las figuras son masas pesadas y tristes, con la cabeza baja, sumidas en la desolada inmensidad de las llanuras inacabables. Sus contemporáneos le reprocharon siempre su visión áspera y triste de la vida de los campesinos. Sin embargo, el pintor consideraba que “al mirar la naturaleza y los hombres nunca he visto su aspecto alegre”. Para él, que parecía escuchar las voces profundas de la naturaleza, interpretaba una realidad que, aun sin comprenderla como él afirmaba, transcendía cualquier sentimiento de complacencia bucólica.

El Angelus sirvió de inspiración para Dalí, que tituló su cuadro el Angelus Arquitectónico de Millet.

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El surrealismo como el realismo nace de la revolución. Revolución de la ciencia. El siglo XIX conoció un avance sin precedentes en esta materia. En el siglo XX  la teoría de la Relatividad de Albert Einstein y los descubrimientos en el ámbito de la teoría cuántica de Louis-Victor de Broglie y Werner Karl Heisenberg destruyeron los principios de causalidad con los que la física venía explicando el universo. Los planteamientos científicos vinieron  a desestructurar las nociones anteriores de la materia y del mismo hombre. La revolución en el plano de la mente viene de la mano de Sigmund Freud, lejos de moverse por la razón, la lógica y la voluntad, el hombre estaba gobernado por un estrato lejano, nebuloso, desconocido e incontrolable, el inconsciente.

A esta revolución le acompañó una revolución política. El comunismo, que debe sus ideales a Karl Marx, nacido en el siglo XIX.

Una de las principales aportaciones que realizó Dalí al surrealismo fue el descubrimiento del método paranoico-crítico. Partiendo de la las teorías del psicoanalista francés Jacques Lacan llegó a un sistema de prospección al que el propio pintor definió como un “método espontáneo de conocimiento irracional basado  en la objetivación crítica y sistemática de las asociaciones e interpretaciones delirantes”. Una de las variantes iconográficas del repertorio-crítico del pintor ampurdés son los denominados caprichos o temas elegidos al azar como el Angelus, cuadro ejemplificador de la moralidad cristiana del siglo XIX y por el que Dalí sentía profunda admiración. En su proceso de interpretación de este motivo, Dalí lo dotará de connotaciones eróticas más o menos explícitas, como ocurre en la mayoría de su producción.

 

 

 

 

 

 

 

Daumier y el realismo

Para Honoré Daumier la presentación de la realidad y del presente fue también una de sus obsesiones.  Artista polifacético: dibujante, caricaturista, ilustrador y escultor. Descubrió su auténtica vocación trabajando en la revista La caricature, en el que Daumier representaba al rey burgués con la boca abierta, engullendo las carretas de alimentos que le llevaba su pueblo hambriento. Esto le convirtió en un hombre célebre y le llevó a la cárcel. A pesar de sus múltiples causas judiciales, Daumier no cejó en sus acerbas críticas al poder. Es esta la época en la que popularizó la imagen del rey representado como una pera y realizó también los retratos-caricaturas en barro cocido coloreado de diputados y pares de Francia.

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Daumier, en su obra partió de una expresividad que alcanza en ciertas ocasiones un carácter esperpéntico. Desde esta expresividad acometió tanto temas realistas (escenas de la calle, de las salas de audiencia, alegorías sociales) de acentuado contenido crítico, como temas tomados del teatro (actores y saltimbanquis), de la fábula (Don Quijote), e incluso de la historia sagrada.

Su concepción de la política le hacía ver la dimensión de la opresión del poder como una losa que asfixiaba al pueblo. Sus representaciones son un claro ejemplo de contestación a esta situación. Pero Daumier tiene un tratamiento del realismo diferente al de Courbet, no basa su protesta en la representación realista de unos acontecimientos frente al mundo académico y alegórico de las musas. Su contestación la acomete desde la agresividad que proporciona su profunda expresividad pictórica, desde su lucha contra el dibujo y la forma académica y desde la desvinculación del mundo hedonista del color. Con Daumier se abre un debate posterior del sentido y significación de los realismos, ya que el realismo no sólo consiste en representar en el lienzo el naturalismo y la realidad vivida en el momento, el realismo va más allá, la expresividad de lo real y su crítica es lo que confiere que una obra sea realista. Por muy importante que pueda ser la fidelidad a la realidad visual constituyó tan sólo un aspecto del programa realista; y sería erróneo basar nuestra concepción de un movimiento tan completo sobre uno de sus rasgos: la verosimilitud. A fin de entender el realismo como actitud estilística dentro de su período, debemos atender a algunas de las restantes aspiraciones y logros de los realistas, como fue la pintura nerviosa de Daumier.

En esta obra, ¡Queremos a Barrabás!, toma prestada la temática religiosa del Ecce Homo, a la que Daumier le ha conferido un contenido social.queremos a barrabas

Daumier pone de manifiesto su rebeldía frente a las formas establecidas, lo mismo que frente al poder que condena al inocente. En esta pintura bajo la forma de alegoría religiosa, ofrece una reflexión sobre la naturaleza del ser humano cuando este traspasa el umbral que lo desvincula de su categoría de pueblo para convertirlo en masa, ejerciendo un fenómeno que adquiere su verdadera dimensión con el inicio de las grandes concentraciones urbanas a consecuencia de la Revolución Industrial. Como consecuencia de ello el pueblo es capaz de resistir o rebelarse, la masa se torna sumisa y a veces deviene en cruel colaboradora del poder. Como dijo Giulio Argan: “histéricamente pedirá la gracia para el bandido y la muerte para el santo”.

Daumier, como ya hemos señalado, tuvo varios tropiezos con la justicia. Esta experiencia le sirvió como inspiración para realizar Recuerdo de la cárcel de Sainte-Pélagie en 1834. A partir de entonces, Daumier se convertiría en un asiduo del Palacio de Justicia y en un atento observador de su “fauna”: abogados, jueces, demandantes, etcétera.

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La gran sobriedad de la composición, acentuada por la dura monocromía de las togas negras de los abogados, contribuye a resaltar la intensidad dramática y casi teatral de la escena, potenciada también por el tratamiento de los rostros, que parecen máscaras impersonales. Daumier incrementa aún más esta tensión colocando a la derecha a la viuda desconsolada y a su hijo, ambos vestidos de negro, que contrasta con el personaje burgués, pintado en una gama de tonos más claros, que sale muy satisfecho del palacio de justicia, se supone que por haber ganado un pleito precisamente a la viuda.

La burla demostró ser un arma formidable para rasgar la cobertura protectora del sentimiento o artificio convencionales extendido sobre la realidad.

Las obras de Daumier recuerdan, en cierta manera, a las de Goya. Ambos artistas recurriendo a lo grotesco y la caricatura retratan lo más obscuro de la sociedad. Se perciben los monstruos que se llevan dentro, que afloran.

 

 

 

El Realismo. Confrontación burguesía-proletariado

En los sucesivos post iré haciendo entradas de un tema que a mi me apasiona y parece que siempre está de actualidad: el Realismo.

Courbet, Millet o Daumier serán los protagonistas de los próximos post. Comenzamos con Courbet.

Courbet y el Realismo

En el siglo XIX surge una corriente de pensamiento llamada positivismo. August Comte, uno de los máximos representantes de esta corriente, nos habla del espíritu positivo que plantea la sustitución de los valores y los conceptos ideales por una concepción basada en la atenta observación de los fenómenos reales que desplaza todos los conceptos derivados de la elucubración y de la imaginación. Solamente el espíritu científico, la verificación, el análisis y conocimientos de lo real a través de la ciencia pueden ser los caminos que permitan acceder al conocimiento.

El taller del pintor, 1855

El taller del pintor, 1855

A esta corriente filosófica hay que sumarle que el último tercio de siglo estuvo plagado de grandes cambios; las revoluciones de 1848, el ascenso de la burguesía, el desarrollo de la actividad industrial, transformación de las ciudades, aparición de un proletariado urbano, etc.

En arte, la correspondencia de este fenómeno se manifestó a través de una nueva concepción de la realidad. El presente cobra un nuevo valor frente a la Historia.

El Realismo es un movimiento científico, naturalista, anticlásico, antirromántico, antiacadémico, pero sobre todo, progresista y social. No cree en la belleza única, ni en lo sublime, ni en los modelos clásicos. Observación del natural porque el artista tiene una misión concreta que cumplir: copiar las costumbres y usos de la sociedad para poder reformarlos, preferentemente las de las clases más humildes. Se proponen un compromiso más profundo con la sociedad: decir toda la verdad, y esta exigencia se convirtió en un imperativo moral tanto epistemológico como estético. La historia del arte de finales del siglo XVIII y el siglo XIX es, como dice Grombich, la historia de la lucha contra los schemata, y el arma más importante en esta lucha fue la investigación empírica de la realidad.

Courbet se propone romper con los componentes “pictóricos” y sustituirlos por otros realistas. Es decir, que la realidad desplace a la pintura para crear un nuevo equilibrio entre el tema y el sistema de representación.

Sus cuadros eran provocativos y abiertamente polémicos, no tanto por lo que decía -no contienen mensaje explícito alguno- sino por lo que no decían. Sus obras son desidealizadas, insólitamente directas y prosaicas, de temas relacionados con las clases humildes de la época. No encajaban con el gusto burgués ni con el arte académico hasta entonces realizado. Los héroes de Courbet no eran grandes hombres del pasado clásico, eran  “el trabajador”, “el campesino” o “el ciudadano corriente de clase media”. En el arte realista, por primera vez, los protagonistas son las personas del escalón más bajo de la pirámide social. Aunque Caravaggio hubiera utilizado modelos de baja condición social para sus composiciones, eran la inspiración para dar forma a un personaje ilustre como vírgenes o santos. En el arte realista los campesinos sirven para retratar campesinos.

Entierro de Ornans, 1850

Entierro de Ornans, 1850

Los realistas rechazaron tanto la pomposa retórica  como los grandiosos temas del pasado, ninguno de los cuales poseía, en sus sentir, relevancia alguna con la vida moderna, y se dirigieron a aquellos ámbitos nuevos o hasta entonces postergados de la experiencia moderna, como el destino de los trabajadores pobres, tanto rurales como urbanos, la vida diaria de las clases medias, la mujer moderna -y en especial la mujer caída-, el ferrocarril y la industria, y la ciudad moderna misma, con sus cafés, sus teatros, sus trabajadores y paseantes, sus parques y bulevares y la vida que en ellos se llevaba. De todos estos temas de la vida del momento, ninguno fue considerado hasta tal punto epítome mismo de la experiencia moderna, o se trató con tanta concreción y perentoriedad por los artistas de mediados de siglo, no sólo en Francia, sino también en Inglaterra y en todo el continente, como el tema del trabajo.[1]

La revolución de 1848 fue de vital importancia para el ámbito laboral. Se elevó la dignidad del trabajo a estatus oficial y la grandeza de le peuple a artículo de fe. Representó la primera gran confrontación de intereses entre la clase trabajadora y la burguesía, porque fue la primera revolución auténticamente proletaria que además se propagó como un seísmo a la mayor parte de los países de Europa. En este momento aparece ya de una forma nítida una idea que se venía forjando desde 1830: la idea de un arte que debe tomar una conciencia de su misión social.

Los picapedreros de Courbet o El Aventador de Millet son obras que representan cabalmente los ideales de 1848.

Los picapedreros fue realizada por Courbet en 1849, tan sólo un año después de la revolución de 1848 y de que Marx y Engels publicaran el Manifiesto Comunista. El propio Courbet nos cuenta como yendo de viaje al Château de Saint Denis, vio a dos picapedreros que le sugirieron la realización de este cuadro cargado de crítica social. El artista describe con precisión este aspecto, al describirlo señala que “el anciano está arrodillado y el joven detrás de él erguido sujetando con fuerza un cesto de piedras. ¡En este estado se empieza y se acaba así!.

Obra de tamaño monumental en que Courbet ha pintado simplemente dos miembros del subproletariado el Franco Condado a quienes encontró un día en el camino. Pese al detalle con el que Courbet ha realizado los ropajes de los picapedreros,  las figuras no se han organizado de acuerdo con los preceptos generalizados. Muestran falta de elegancia, rigidez, taciturnidad, lo que por otra parte, es inherente al trabajo duro que los protagonistas del cuadro están realizando. Courbet no lleva más allá en términos formales del simple hecho de la existencia física de los de trabajadores y su existencia en cuanto elementos pintados sobre el lienzo. Picar piedra siempre ha constituido el destino de los más humildes de la sociedad. Con este tema se ilustra el trabajo gratuito e insignificante, el plano más bajo de la labor manual.

Los picapedreros sirvió como fuente de inspiración a Proudhon para realizar un discurso contra las iniquidades de la moderna civilización industrial en su Du Principe de lárt de 1865.

[1] Nochlin, Linda. El realismo. Madrid. Alianza Forma. 1991. Pág. 95

Aniversario de Dadá

Con motivo del cien aniversario de la creación de Dadá he realizado un artículo que podéis leer en el blog de The Light Mind.

The Light Mind es una plataforma en la que colaboramos diferentes profesionales del mundo del arte para intentar dar más visibilidad a esta disciplina. Nace con la intención de la difusión artística. Te invito a que les conozcas porque seguro ¡qué te interesa!

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Iré poniendo aquí los enlaces de los post y artículos de revistas que vaya escribiendo.

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Espero que te guste el artículo de Dadá, tiene una segunda parte que será publicada próximamente.

¡Feliz lectura!

Trabajos realizados

En esta sección puedes ver algunos de los trabajos que he realizado para diferentes medios on line.

¡Ah Magazine! Revista on line dedicada al arte contemporáneo, diseño, ilustración y gestión cultural.

http://www.ahmagazine.es/author/laura-avila/

elcotidiano.es. Periódico online donde me ocupé de la Agenda Cultural.

http://www.elcotidiano.es/author/lauraavila/

http://www.elcotidiano.es/nuevas-propuestas-expositivas-en-las-galerias/

http://www.elcotidiano.es/lb-contemporary-art-cancela-el-video-del-sirio-nassouh-zaghlouleh-por-miedo-a-las-represalias/

http://www.elcotidiano.es/especies-de-espacios-transforma-el-macba/

http://www.elcotidiano.es/vogue-like-a-painting-en-el-museo-thyssen-bornemisza/

http://www.elcotidiano.es/jeff-koons-y-tucker-en-bilbao/

http://www.elcotidiano.es/las-novedades-de-muitt-madrid/

http://www.elcotidiano.es/muitt-madrid/

Blog de DSIGNO, Campus de enseñanza Superior Online de Diseño de Moda, Diseño Gráfico y Diseño de Interiores.

http://www.dsigno.es/blog/

The lighting Mind. La línea editorial  está centrada en el arte desde sus múltiples disciplinas.

http://www.thelightingmind.com/author/laura-avila-s/

http://www.thelightingmind.com/los-manifiestos-dada/

Blog Iris People, el blog del primer centro online de compras, tiendas y servicios pensado para las personas, familias y negocios del colectivo LGBT

http://blog.irispeople.com/andy-warhol-en-el-guggemheim/

 

WeCollect en el Museo Lázaro Galdiano

Entrar en el Museo Lázaro Galdiano es como colarse en el fantástico mundo de José Lázaro, su fundador. José Lázaro (1862-1947) fue un humanista del siglo XX, gran coleccionista, amante del arte y la literatura, comprometido con la sociedad y creyente en la capacidad de la cultura para cambiar la realidad. Erudito y curioso, persona inquieta siempre ávido de conocimientos. Desarrolló un papel primordial en el mundo de la cultura española entre finales del siglo XIX y primera mitad del siglo XX.

Fue el fundador de la España Moderna (1889-1914) importante revista y editorial de la época, que publicó más de 600 monografías dedicadas a la ciencia jurídica, la sociología o la filosofía, sin olvidar la literatura. Una importante contribución al desarrollo del país fue la inclusión de autores extranjeros, inéditos en España, que la editorial publicó. En la revista colaboraron grandes literatos del momento como Emilia Pardo Bazán, Galdós, Clarín, Zorrilla, Concepción Arenal, Cánovas o Unamuno.

En 1903 se casó con Paula Florido y Toledo, dama aristocrática argentina. Compañera ideal que colaboró con él en la conservación e incremento de sus eclécticas colecciones. Para ella construyó la residencia “Parque Florido” (Madrid) donde se mudaron tras su inauguración, siendo  el microcosmos familiar. Veladas con amigos, conciertos y tertulias intelectuales tuvieron lugar en esta mansión. Desde 1951, la residencia alberga el museo donde se exhiben sus colecciones.

Al fallecer Paula en 1932, José Lázaro se dedicó a viajar por el extranjero ampliando su colección. Residió principalmente en Nueva York y París, donde adquirió obras de arte en anticuarios y casas de subastas, formando nuevas colecciones que después incorporaría a la que había dejado en Madrid.

museo-lazaro-galdianoLa residencia “Parque Florido” nos habla de los gustos de José Lázaro. El proyecto fue encargado a José Urioste. Para ser posteriormente reformado por los arquitectos Joaquín Kramer y Francisco Borrás, siguiendo precisas indicaciones de Don José. Influido por la moda imperante en la época, el palacete presenta un estilo neorrenacentista, incluyendo elementos clasicistas tomados de Ventura Rodríguez.

La decoración pictórica de los techos fue realizado por Eugenio Lucas Villamil, con un amplio programa iconográfico plagado de alusiones mitológicas, literarias y plásticas, que plasmaban perfectamente el espíritu intelectual de José Lázaro.

Entrar en el museo nos ofrece una experiencia única, un pequeño viaje en el tiempo. Los salones mantienen la decoración y los elementos arquitectónicos originales, transportándonos a las lujosas residencias del Madrid de las primeras décadas del siglo XX.

La Fundación Lázaro Galdiano es la encargada de gestionar el legado que José Lázaro Galdiano donó generosamente al Estado a su muerte. Está compuesta por un Museo, con más de doce mil obras de arte y un importantísimo Archivo y Biblioteca. Además la Fundación publica trimestralmente la revista de arte Goya, todo un referente en su ámbito.

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La marca de la Fundación es “Colección Lázaro. Un museo para el coleccionismo“, queriendo ser un referente y un punto de apoyo en el estudio y difusión del coleccionismo, propiciando la reflexión y el diálogo en torno a este fascinante tema.

En esa línea de trabajo el Museo Lázaro Galdiano y WeCollect Club han creado WeCollect Education, un innovador programa de formación para coleccionistas de arte compuesto por 15 cursos impartidos por prestigiosos expertos en mercado del arte e invitados como Soledad Lorenzo, Pablo Melendo, Javier Martín Jiménez o Antonio Lobo, que compartirán sus experiencias en torno al mercado y el coleccionismo.

El programa busca dotar a los coleccionistas de arte actuales y futuros de las competencias y conocimientos necesarios para desarrollar su colección a través de un ecosistema de cocreación. Un coleccionista actual debe diseñar un modelo de colección adaptado a su personalidad e intereses y dominar las técnicas de gestión actuales necesarias para crear su colección a través de un proceso de aprendizaje basado en la experiencia, identificando y potenciando sus mejores habilidades para adquirir la confianza e intuición necesarias para comprar arte de forma segura. Por eso, WeCollect Education estructura el programa en los siguientes cuatro bloques; Ecosistema del coleccionismo, Diseño de colecciones, Gestión y negocio y Competencias para coleccionistas.

El Museo se ha convertido en un espacio abierto al debate, reflexión y al conocimiento de diversos enfoques relacionados con el hecho de coleccionar. A través del programa “Colección invitada” hemos mostrado al público colecciones privadas como la de la Fundación Mª José Jove, Leandro Navarro, Jozami, Alicia Aza o diversas obras de colecciones de videoarte gracias al proyecto de Loop Barcelona, entre otros.

El curso comenzará el próximo 9 de febrero y durará hasta el próximo 28 de junio. Una oportunidad para que coleccionistas de arte amplíen sus conocimientos y compartan su experiencia.

Becas de arte

_MG_7402Todos sabemos lo complicado que es dedicarse de forma profesional en el campo del arte. Trabajar como comisario, historiador del arte o gestor cultural está pero que muy muy difícil. Si nos encontramos en un momento en el que no hay exceso de trabajo, en este ámbito mucho menos. Es muy frustrante echar currículos sin obtener respuesta, intentar mil proyectos sin que terminen de dar los resultados económicos esperados y deseados, hacer memorias que no siempre concluyen con éxito. Pero bueno, como la ilusión es lo último que se pierde y siempre dicen que la perseverancia es la clave para el éxito, comparto con vosotros unas poquitas becas que he encontrado, al menos para poder tener una experiencia. Lo suyo sería que hubiese trabajos remunerados para los que nos queremos dedicar a este mundillo y lo pudiéramos hacer con vocación, pasión y dedicación. Espero que os sean de ayuda.

Proyecto Nuevos Comisarios (PNC). ROOM ART FAIR. Hasta el 1 de febrero de 2016

ROOM ART FAIR abre la convocatoria a comisarios noveles para su participación en la Feria a través de sus proyectos. Cada trabajo seleccionado será mostrado durante los tres días de RAF5 en una de las suites del Petit Palace Santa Bárbara (Madrid). Además de la exhibición, propiciaremos el establecimiento de relaciones entre los comisarios seleccionados, las galerías, editoriales, media partners y coleccionistas que participarán en esta quinta edición. Los proyectos seleccionados aparecerán en el catálogo que se publicará y difundirá ampliamente.

Residencia para comisarios/as 2016Centro Internacional de Cultura Contemporánea (CICC)  Tabakalera Donostia. Hasta el 31 de enero de 2016

Esta convocatoria tiene por objeto apoyar a comisarios/as en el desarrollo de un proyecto expositivo que se llevará a cabo en la sala de exposición de Tabakalera en otoño de 2017.

La residencia, de entre tres y seis semanas de duración, ofrecerá espacio, contexto y tiempo para el desarrollo del proyecto curatorial de formato expositivo. El/la comisario/a seleccionado/a podrá dar forma a la propuesta durante su estancia en otoño de 2016.

Se seleccionará una única propuesta de entre todos los proyectos que se presenten a la convocatoria.

Becas de formación y perfeccionamiento en los departamentos de Biblioteca, Gestión Administrativa, Gestión Económica, Actividades Culturales, Didáctica y Comunicación y Redes Sociales del museo. Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM). Hasta el 29 de enero

El Institut Valencià d’Art Modern (IVAM) ha convocado seis becas de formación y perfeccionamiento a desarrollar en los departamentos de Biblioteca, Gestión Administrativa, Gestión Económica, Actividades Culturales, Didáctica y Comunicación y Redes Sociales del museo. El objetivo de estas becas es ofrecer una experiencia profesional en el campo artístico y museístico en el departamento más acorde a la formación e interés de cada candidato. Durante las prácticas, los estudiantes podrán participar en diferentes proyectos del IVAM, conocer las diferentes áreas de la gestión museística y complementar su experiencia con los equipos técnicos del museo.

ProjetARTE. Fundación Fernando Villalón. Hasta el 18 de febrero.

Esta convocatoria tiene como fin incentivar la creación plástica contemporánea así como su difusión a través de su exhibición en los espacios expositivos de que disponen las delegaciones de Cultura y Turismo del Excmo. Ayuntamiento de Morón de la Frontera en Sevilla.

La convocatoria está abierta a cualquier artista o comisario sin limitación de edad que quiera participar a nivel individual o colectivamente, residentes en la Comunidad Autónoma de Andalucía, no pudiendo hacerlo a través de galerías de arte o intermediario alguno.

Además de estas cuatro becas que he encontrado, es interesante ir mirando en el apartado de empleo de los diferentes museos, muy de vez en cuando, si hay presupuesto y condiciones, suelen publicar becas de investigación o para poder trabajar en el museo. También nos puede ayudar a encontrar oportunidades la Fábrica Cultural, Arte Informado, La Casa Encendida, ahora mismo no hay nada pero suelen convocar un concurso para jóvenes comisarios que se llama Inéditos.

Por supuesto que me encantaría que compartieses si conocéis alguna beca más, oportunidad, o lo que fuese, creo que enriquecería mucho el debate.

¡Gracias!

Obras Maestras de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao

Hasta el próximo 3 de abril podemos disfrutar en el Guggenheim Bilbao a una exposición temporal dedicada a sus fondos propios.

Obras maestras de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao ofrece la  oportunidad de contemplar una selección de estas piezas, en la que destacan, por ejemplo, el luminoso lienzo Sin título, de Mark Rothko, frente a La gran Antropometría azul (ANT 105) (1962) de Yves Klein dominada por el inconfundible tono azul que el artista patentó con su nombre; o la icónica imagen de Marilyn Monroe repetida una y otra vez por Andy Warhol frente a la expresividad que preside el gran lienzo serigrafiado de Robert Rauschenberg Barcaza (1962–63), o, los ya comentados, Nueve discursos sobre Cómodo (1963) de Cy Twombly. Los artistas alemanes Anselm Kiefer y Gerhard Richter, o los estadounidenses Clyfford Still y Jean-Michel Basquiat, también presentes en esta muestra con trabajos destacados, como lo está la escultura, representada por las piezas de los maestros vascos Eduardo Chillida y Jorge Oteiza enmarcadas en su contexto internacional.

En esta muestra también tienen cabida un conjunto de lienzos procedente del ciclo de Francesco Clemente La habitación de la madre (1995–97), que evoca los grandes murales decorativos de las stanze o studioli de los palacios renacentistas. Creado por el artista específicamente para la sala 203 del Museo, este trabajo se exhibe ahora en una galería distinta, lo que posibilita una mirada diferente en torno a la obra. La muestra incluye igualmente varias piezas que reflejan la vuelta a la figuración en la pintura que tuvo lugar en los años ochenta, así como otras obras que se caracterizan por recuperar la expresividad pictórica, como El diluvio (1990), donde Miquel Barceló aborda este tema apocalíptico configurando un paisaje gris y melancólico mediante la ejecución de cortes en el lienzo y la aplicación de abundante materia.

Faquires (Fakires), 1993 Guggenheim Bilbao Museoa

Faquires (Fakires), 1993
Guggenheim Bilbao Museoa

Esta exposición supone un hito en la historia del Guggenheim Bilbao ya que se inicia así un nuevo enfoque de la programación artística del Museo que da respuesta, entre otras cuestiones, a la necesidad de contar con un espacio fijo e idóneo para la contemplación de alguna de las piezas más representativas de la Colección Propia. Con el objetivo de ofrecer al público la posibilidad de contemplar las obras más emblemáticas de la Colección Propia del Museo de una manera idónea, potenciando al mismo tiempo las ambiciosas exposiciones temporales, el Museo Guggenheim Bilbao ha llevado a cabo una reflexión en torno a sus espacios y la adecuación de estos a los diferentes tipos de muestras de la programación artística anual. Así, partiendo de las premisas de no reducir el número de nuevos proyectos y de mantener la calidad de los mismos, la segmentación meditada de las plantas del Museo ha dado como resultado un nuevo enfoque de la programación artística. En este nuevo modelo se han identificado las galerías “no clásicas” de la tercera planta (salas 304, 301, 302 y 303) como las idóneas para albergar de forma casi permanente las Obras Maestras de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao, al tratarse de espacios heterogéneos en cuanto a medidas, formas y capacidades que se adaptan perfectamente a los fondos propios más significativos. Las galerías clásicas de la tercera planta, ideales por su

Las célebres órdenes de la noche (Die Berühmten Orden der Nacht), 1997 Guggenheim Bilbao Museoa

Las célebres órdenes de la noche (Die Berühmten Orden der Nacht), 1997
Guggenheim Bilbao Museoa

configuración para la muestra de obras de menor formato y de exposiciones de arte de preguerra y de corte más “clásico”, actuarán así como prólogo a la Colección del Museo, configurando la tercera planta como el espacio dedicado a los fundamentos del arte actual. Por su parte, los espacios de la segunda planta del Museo se destinarán a albergar las grandes exposiciones temporales, de gran significación curatorial y proyección internacional. Las salas de la primera planta, a excepción de las dedicadas permanentemente a las obras de Richard Serra y Jenny Holzer, se centrarán en las tendencias más actuales, mostrando fragmentos de contemporaneidad. En torno al atrio, la sala 105, con más de 1.000 metros cuadrados, se dedicará a exposiciones con un carácter más experimental, o bien que sirvan para contextualizar las obras de la Colección dentro de la carrera de su autor, o destacar algún aspecto singular de la obra del mismo.

Barcaza (Barge), 1962-63 Guggenheim Bilbao Museoa y Solomon R.

Barcaza (Barge), 1962-63
Guggenheim Bilbao Museoa y Solomon R.

 Como parte importante de la actividad del museo se tendrá en cuenta la educación y difusión del arte, en los espacios didácticos, como complemento a la exposición se presentan breves Descubres sobre obras y artistas expuestos, que aportan información adicional específica y presentada de manera accesible. Estos Descubres, que abarcan cronológicamente todos los periodos de la exposición, corresponden a los artistas Eduardo Chillida, Francesco Clemente, Anselm Kiefer, Jorge Oteiza, Robert Rauschenberg, Mark Rothko y Cy Twombly.

La sombra del buril es alargada en el museo de Bellas Artes de Bilbao

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La sombra del buril es alargada es una de las exposiciones temporales que presenta el Museo de Bellas Artes de Bilbao para esta temporada. La muestra se podrá visitar hasta el próximo 4 de enero de 2016.

Con esta exposición, el Museo de Bellas Artes de Bilbao se suma al IV Festival Internacional de Grabado y Arte sobre Papel (FIG Bilbao), que se celebra en Bilbao del 19 al 22 de noviembre, acogiendo en sus salas una muestra relevante de obra gráfica, un medio de expresión artística muy presente en el programa expositivo del museo. Anteriormente se han realizado las exposiciones Giovanni Battista Piranesi (2012), Cerdeña indescifrable (2013) y Mimmo Paladino (2014), que mostraron respectivamente la personalidad artística de uno de los mayores maestros de la historia del grabado, una amplia selección de trabajos gráficos de diez grabadores de la isla italiana de Cerdeña y una extensa muestra de la obra gráfica de uno de los artistas italianos en activo más relevantes de la escena contemporánea internacional.

La presente exposición tiene como protagonista a Lucas Huyghzoon, más conocido en la historiografía artística como Lucas van Leyden (Leiden, c. 1489/1494-1533). Considerado uno de los maestros de la historia del grabado. Compuesta por  69 estampas elaboradas por Van Leyden y por otros relevantes artistas que, durante los siglos XVI y XVII, trabajaron bajo su influencia. Todas las estampas proceden todas del valioso fondo reunido por el coleccionista valenciano Mariano Moret, salvo una de Van Leyden conservada en la colección de obra sobre papel del propio museo.

moretEn las estampas que conforman la exposición se puede apreciar la elegancia de la línea de Van Leyden, la exquisita finura de su trabajo con el buril, su amor por el detalle y su virtuosismo en la plasmación de las calidades y texturas de objetos y tejidos, características comunes a los artistas de las escuelas flamencas. Propias de su estilo son la originalidad y la complejidad de las composiciones, la sutileza de los tonos plateados, casi transparentes, la delicadeza de sus elegantes figuras, y la riqueza en la descripción de las vestimentas de los personajes así como otros muchos detalles.

jael y siseraEn la obra grabada de Lucas van Leyden coinciden el misterio y la elegancia del último gótico con las novedades del Renacimiento. Admirador de Alberto Durero, su obra tiene cierta influencia del gran maestro pudiéndola apreciar en la fuerza expresiva del grabado. Incorporó  a su obra el naturalismo y la minuciosidad de la escuela flamenca, la perspectiva y el paisaje, propios del nuevo estilo italiano. Y, por último, de la tradición nórdica escogió  las escenas de género protagonizadas por tipos populares con la adopción de las figuras en posición de contrapposto, propia de héroes y dioses, heredera de la escultura de la Antigüedad clásica. Estas judithcualidades del trabajo de Lucas van Leyden son las que maravillaron a otros artistas contemporáneos y posteriores, que quisieron hacerlas suyas y, de este modo, rendirle homenaje intentando emularlas o copiarlas en sus grabados. Es el caso de Jan Muller y de Hendrick Goltzius y su discípulo Jan Saenredam, y así se puede constatar en las estampas que se exponen de estos artistas.

Se trata de una ocasión para disfrutar de los mejores grabados, un trabajo que en ocasiones pasa un tanto desapercibido pero que contiene grandes dosis de virtuosismo.

 

Exposiciones en Salas y Fundaciones

Seguimos con las listas de exposiciones que se pueden disfrutar en estos momentos, pero esta vez vamos a fijarnos que están haciendo las Salas de Arte, las Fundaciones y Centros Creativos. Además la entrada a muchos de estos espacios expositivos es gratis.

1.Zentro Azkuna. Why not Judy Chicago?. Del 8 de octubre de 2015 al 10 de enero de 2016.

Aborda los más de 50 años de trabajo de la artista organizados en torno a las principales problemáticas conceptuales, visuales y políticas que la artista ha planteado a la institución del arte y a las sociedades patriarcales contemporáneas. Judy Chicago es una de las pioneras del arte feminista.

Las obras con una clara visión feminista y provocativa nos invitan a pensar y a debatir cuestiones tan cruciales como la supremacía masculina, el poder, la religión y el arte como agente de cambio social y vehículo de transformación intelectual.

© Zentro Azkuna

© Zentro Azkuna

2. Sala Rekalde. Naia del Castillo. Del 22 de octubre al 17 de enero de 2016.

La muestra es una mirada global al trabajo que la artista viene desarrollando desde el 2000. La exposición aborda los temas principales que componen su producción.

Respecto de su obra se ha destacado el trato del mundo de la mujer desde la metáfora, sin usar elementos combativos propios de otras épocas, resaltando en sus manifestaciones la ambivalencia entre la superioridad de la mujer como seductora y su posición de inferioridad en lo cotidiano.

© Sala Rekalde

© Sala Rekalde

3. Caixa Forum Barcelona. Animales y Faraones. Del 23 de septiembre de 2015 al 10 de enero de 2016.

Exposición organizada por el Musée du Louvre-Lens y la Obra Social “la Caixa”, con la participación excepcional del Musée du Louvre. Reconstruye la relación que se estableció entre los hombres y los animales, la naturaleza y la cultura en el antiguo Egipto, desde la admiración y el temor hasta las construcciones simbólicas más sofisticadas. Esculturas y estelas, vasos y jarras, acuarelas y pinturas murales, cofres y amuletos, sarcófagos y momias, hasta la glorificación del animal en estatuas y esfinges: más de cuatrocientas piezas que muestran la importancia de los animales en la cultura del Egipto antiguo, en la vida cotidiana, en la agricultura y en la guerra, en las creencias religiosas y en los rituales funerarios.

Caixa Forum también realiza otras exposiciones en otras ciudades de España, puedes consultar la agenda aquí.

© Caixa Forum

© Caixa Forum

4.Fundación Mapfre. El triunfo del color. De Van Gogh a Matisse. Del 10 de octubre de 2015 al 10 de enero de 2016.

Con obras maestras de las Colecciones de los Museos de O´rsay  y de L´orangerie la exposición plantea un debate sobre la cuestión del color en la pintura occidental. El siglo XIX enfrenta a los adeptos de un arte dominado por el dibujo con los partidarios de una expresión basada en las sensaciones visuales.

Photo © RMN-Grand Palais (musée d'Orsay) / Hervé Lewandowski

Photo © RMN-Grand Palais (musée d’Orsay) / Hervé Lewandowski

5. Fundación Juan March. Max Bill. 16 de octubre de 2015 al 17 de enero de 2016.

Esta primera retrospectiva de Max Bill en España exhibe de manera concentrada la obra completa del artista, porque cubre, tanto cronológica como temáticamente, todos los aspectos de su polifacética creación: la pintura, la obra gráfica, la escultura, la arquitectura, el diseño de libros y revistas, el diseño industrial y de mobiliario, el grafismo y la tipografía publicitaria –desde los carteles de gran formato hasta las pequeñas inserciones en publicaciones periódicas– y el diseño de espacios expositivos.

© Fundación Juan March

© Fundación Juan March

6. El Matadero Madrid. Ni Arte ni Educación. Del 30 de octubre de 2015 al 10 de enero de 2016.

Exposición a la que se añade un programa de actividades en la que se pretende explorar las zonas de contacto de dos campos discursivos: el arte y la educación, y la articulación de ambos en la sociedad contemporánea.

Los contenidos de la exposición se vertebran a través de tres líneas de trabajo: Activismo y pedagogía, intersecciones de la otredad y ciudadanía crítica. Estas líneas han venido perfilando el marco para el trabajo desarrollado desde el Grupo de pensamiento de Educación Disruptiva de Matadero Madrid (GED), creado en el 2013 y  coordinado por el colectivo Pedagogías Invisibles, con el objetivo de generar un espacio para  reflexionar sobre la importancia de lo educativo en la construcción de lo social. Ahora se impone la necesidad y el compromiso de presentar públicamente su andadura y sus resultados a la comunidad, explorando espacios y formatos que posibiliten la participación.

© Matadero Madrid

© Matadero Madrid

7. La Casa Encendida. Inéditos. Del 20 de noviembre de 2015 al 10 de enero de 2016.

Inéditos es una convocatoria de Fundación Montemadrid que fomenta la inserción de los jóvenes comisarios en los circuitos profesionales, facilitando a los seleccionados la posibilidad de producir su primera exposición y editar un catálogo del conjunto de la muestra.

En esta exposición se podrá ver el trabajo de los tres ganadores de la pasada edición. Appunti, comisariado por Javier Arbizu, María Buey González, Jorge González Sánchez, Elena Peña Castillo y Diego Rambova, investiga las relaciones entre objeto, obra de arte, poder e identidad.

Aquí hay dragones, comisariada por Neme Arranz, presenta trabajos relacionados con la exploración y el descubrimiento de nuevos espacios, casi siempre figurados, y con la posibilidad de ser el primero en un planeta que no deja de empequeñecer.

Y el proyecto S’WONDERFUL, comisariado por Beatriz Escudero, versa sobre la potencialidad que genera el juego en relación a la creación artística. Las obras seleccionadas nos llevan a interesantes reflexiones sobre los binomios trabajo/ocio, productividad/improductividad y educación/instrucción, y a reflexionar sobre la resolución de conflictos, las luchas sociales, la infancia, la historia e incluso el amor.

© La casa Encendida

© La casa Encendida

8. Sol Lewitt. 17 Wall Drawings 1970-2015. Del 18 de julio de 2015 al 10 de enero de 2016.

Organizada en colaboración con la Yale University Art Gallery y The Estate of Sol LeWitt,  la muestra está dedicada en exclusiva al dibujo mural de esta figura capital del arte del siglo XX, considerado el padre del Arte Conceptual.

De la selección de diecisiete dibujos murales que componen la exposición, realizados entre 1970 y 2015, dieciséis son inéditos en España -el decimoséptimo fue inaugurado en Madrid en 1989-, y la mayoría no han sido expuestos de nuevo tras su primera ejecución hace más de veinte años.

© Fundación Botín

© Fundación Botín

9. Fundación Pilar Miró i Joan Miró. ABRAHAM CALERO. “MATRIU_”. Del 2 de julio de 2015 al 31 de enero de 2016

Utilizando como vehículo las matrices de grabado de Joan Miró, Abraham Calero plantea, en “MATRIU_” (matriz),  ofrece un viaje de 21 fotografías alrededor de cuestiones como el original, la copia, la reproducción y el retrato; el lugar de lo artesanal en la época de las nuevas tecnologías o el aura, el detalle, lo efímero y lo opaco.

Junto a este diálogo, un homenaje y una puesta en valor de las planchas de grabado. Un acercamiento a estos olvidados del mundo del arte. Tesoros archivados, ocultos y mutilados tras cumplir con la función para la que fueron creados.

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10. Fundación Helga de Alvear. …Y se hizo el tiempo. Del 25 de abril de 2015 al 31 de enero de 2016.

Las nuevas directrices de movilidad, velocidad e instantaneidad impuestas por los modos de vida contemporáneos y las nuevas tecnologías han modificado profundamente nuestra percepción y experiencia del tiempo. Ante la necesidad de revisar su representación, los artistas, situados en unfuera de tiempo de los acontecimientos, de los medios de comunicación y del aquí y ahora dominantes, se han refugiado en una concepción del tiempo como construcción del ser y en su experimentación poética o política para alcanzar un tiempo redimido en la heterocronía.

© Fundación Helga de Alvear

© Fundación Helga de Alvear