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Exposiciones de otoño 2015

El otoño ya ha comenzado y con él nuevas exposiciones en los museos y galerías. Como ya viene siendo un clásico vamos a hacer una lista con diez de ellas en los principales museos. Exposiciones de diferentes estilos y épocas. Seguro que te gusta más de una 😉

1. Museo de Bellas Artes de Bilbao. Mensajes desde la pared. Carteles en la Colección del Museo de Bellas Artes (1886-1975) Del 6 de octubre de 2015 al 18 de enero de 2016.

Ideal para los amantes del diseño y la publicidad. La exposición está dividida por temas, muchos de los mensajes siguen estando vigentes hoy día, con lo que te da que pensar que seremos más tecnológicos, pero hay cosas que no cambian tan rápido.

A partir del 20 de octubre y hasta el 4 de enero podremos ver La sombra del buril es alargada, Lucas van Leyden en la Colección Mariano Moret. En la muestra se exhibirán un conjunto de valiosos grabados realizados en su mayoría por Lucas van Leyden (c.1489/1494-1533) considerado uno de los mejores artistas de los Países Bajos del siglo XVI.

©BELLAS ARTES BILBAO

©BELLAS ARTES BILBAO

2.  Museo Guggenheim Bilbao. Alex Katz, aquí y ahora. Del 23 de octubre de 2015 al 7 de febrero de 2016.

Las elegantes obras de Katz se exhiben en esta muestra centrada en el desarrollo del paisaje dentro de la trayectoria del artista a lo largo de 25 años. 35 obras que buscan transmitir la apariencia de las cosas tal y como se perciben en el momento presente, en el ahora.

Además este mes el Guggenheim está de aniversario, cumple 18 años. Se ha hecho mayor de edad, y para celebrarlo ha preparado numerosas actividades destinadas al público más joven.

Alex Katz. January 3, 1993. Oil on linen. 78 1/2 x 165 inches. Photography by Todd White. © VEGAP, Bilbao, 2015

Alex Katz. January 3, 1993. Oil on linen. 78 1/2 x 165 inches. Photography by Todd White.
© VEGAP, Bilbao, 2015

3. Museo Reina Sofía.  Constant. Nueva Babilonia. Del 21 de octubre de 2015 al 29 de febrero de 2016.

Exposición que reúne alrededor de 150 obras y abundante material documental sobre la obra de Constant. El núcleo principal de la muestra es Nueva Babilonia como “obra de arte” en el contexto social en el que se concibió. Para que adquiera pleno significado se complementa con dibujos, collages, maquetas, pinturas y grabados con una serie de reconstrucciones, fragmentos de películas históricas y materiales de archivo.

Otra de las muchas exposiciones temporales que ha preparado el Reina Sofía para este otoño es Ignasio Aballí. Sin principio/ sin final. Del 28 de octubre del 2015 al 14 de marzo del 2016.

En esta exposición el artista catalán propone una reflexión sobre la representación y la percepción de medios como la pintura, el objeto, la fotografía, la ficción, el cine o el vídeo. Su trabajo, iniciado en los años 80, inventa y reorganiza textos, imágenes, materiales y procesos, confrontando la presencia y la ausencia, lo material y lo inmaterial, lo visible y lo invisible, la transparencia y la opacidad, la apropiación y la creación. Así relaciona el exceso de imágenes en la sociedad actual con la escasez de significados que podemos atribuirles.

Constant Rode sector, 1958. © Constant, VEGAP, Madrid, 2015

Constant Rode sector, 1958. © Constant, VEGAP, Madrid, 2015

4. El Museo del Prado. El Divino Morales. Del 1 de octubre de 2015 al 10 de enero de 2016.

Exposición que ofrece una cuidada revisión de la obra de El Divino, apelativo con el que era conocido Luis de Morales (c. 1510-1511-1586). Con una marcada vocación comercial, Morales adaptó a la clientela de la época un producto artístico y devocional de factura muy cuidada que enlazaba con las tradiciones flamencas de finales del siglo XV y principios del XVI, matizadas por elementos y modelos italianizantes.

La Virgen de la leche, Luis de Morales, Óleo sobre tabla, 84 x 64 cm, h. 1565, Madrid, © © Museo Nacional del Prado.

La Virgen de la leche, Luis de Morales, Óleo sobre tabla, 84 x 64 cm, h. 1565, Madrid, © © Museo Nacional del Prado.

5. . Edvard Munch. Arquetipos. Del 6 de octubre de 2015 al 17 de enero de 2016.

El Museo Thyssen-Bornamisza, con la colaboración del Munch Museet de Oslo, presenta la primera exposición dedicada al artista en Madrid desde 1984. El recorrido de la exposición reúne un amplio catálogo de arquetipos emocionales y obsesiones existenciales del hombre contemporáneo, como melancolía, amor, deseo, celos, ansiedad, enfermedad, o muerte. Las nueve secciones en las que está subdivida se articulan alrededor de la representación de la figura humana en diferentes escenarios, como la costa, la habitación del enfermo, el abismo, la habitación verde, el bosque, la noche, o el estudio del artista; y en cada una de ellas se combinan obras tempranas y versiones tardías, pinturas y obra gráfica para subrayar la circularidad temática de la producción de Munch.

Edvard Munch Madre e hija, 1897 Óleo sobre lienzo. 135 x 195 cm Nasjonalmuseet for kunst, arkitektur og design, Oslo Photo Jacques Lathion © Nasjonalmuseet for kunst, arkitektur og design

Edvard Munch
Madre e hija, 1897
Óleo sobre lienzo. 135 x 195 cm
Nasjonalmuseet for kunst, arkitektur og design, Oslo
Photo Jacques Lathion
© Nasjonalmuseet for kunst, arkitektur og design

6. Museo Lázaro Galdiano. La Fortuna de los Libros. Del 23 de septiembre al 23 de noviembre de 2015.

La muestra reúne un conjunto de joyas bibliográficas de la Colección Lázaro Galdiano para mostrar la suerte que manuscritos  e impresos han corrido a lo largo del tiempo, desde que el autor, promotor o editor tuvo la idea, hasta su divulgación, recepción o destino final.

Juan Antonio Yeves, comisario de la exposición, señala que se exponen libros que son el reflejo de lo que el ser humano ha sido capaz de producir a lo largo del tiempo, unos en perfecto estado de conservación y otros mutilados o incompletos, a veces con huellas elocuentes de su pasado y otras con encuadernaciones posteriores que ocultan su trayectoria anterior. Unos muestran la imaginación, la libertad de creación o de expresión del autor o promotor y otros recuerdan intervenciones posteriores de censores o de quienes han querido controlar su uso o difusión y hasta destruirlos para siempre.

© Fundación Lázaro Galdiano

© Fundación Lázaro Galdiano

7. MACBA. MISERACHS BARCELONA. Del 18 de septiembre de 2015 al 27 de marzo de 2016.

La muestra a través de las fotografías plantea un emocionante viaje en el tiempo, propone experiencias urbanas tan fluidas e instantáneas como las fotos, incompletas e imperfectas pero que a cambio conservan lo efímero y se resisten al olvido.

Miserachs es un profesional dedicado a la publicidad, el fotoperiodismo y, sobre todo, a la fotografía de calle, “el placer de deambular intentando contar lo que me parecía característico y significativo de un lugar”.

© Xavier Miserachs 'Festes de Gràcia, Barcelona', 1964

© Xavier Miserachs ‘Festes de Gràcia, Barcelona’, 1964

8. MPM Málaga. Picasso. Registros alemanes. Del 19 de octubre de 2015 al 21 de febrero de 2016.

Esta exposición colectiva propone la investigación de los vínculos, filiaciones y divergencias entre la obra de Pablo Picasso y la de un grupo selecto de artistas germanos coetáneos a él con obras que se mantuvieron en la tradición de la figuración pictórica. Se mostrarán obras de  Pablo Picasso, Max Beckmann, Heinrich Campendonk, Lucas Cranach el Viejo, Lucas Cranach el Joven, Otto Dix, Max Ernst, Frans Francken, George Grosz, Erich Heckel, Hannah Höch, Wassily Kandinsky, Ernst Ludwig Kirchner, August Macke, Paula Modersohn-Becker, Otto Mueller, Emil Nolde, Max Pechstein y Karl Schmidt-Rottluff.

Max Beckmann (1884 - 1950). Retrato de Naila, 1934. Colección particular © Max Beckmann, VEGAP, Málaga, 2015.

Max Beckmann (1884 – 1950). Retrato de Naila, 1934.
Colección particular © Max Beckmann, VEGAP, Málaga, 2015.

9. Centre Pompidou Málaga. Son modernas, son fotógrafas. Del 16 de octubre de 2015 al 24 de enero del 2016.

La muestra pone en valor el trabajo de veinte mujeres, todas figuras significativas de la historia de la fotografía, como Laure Albin Guillot, Marianne Breslauer, Florence Henri, Nora Dumas, Germaine Krull y Dora Maar, entre otras.

El período entre las dos guerras mundiales presenció por una parte el desarrollo de la publicidad y de la prensa ilustrada, y por otro el auge de la fotografía de vanguardia. Este impulso promovió una expansión del mercado de las imágenes y ayudó a la modernización de la fotografía como profesión. Por tanto, la fotografía se convirtió en una carrera atractiva para las mujeres en busca de independencia social y económica. La intención de esta exposición es indagar en ese momento particular de la modernidad y el auge de la mujer como fotógrafa profesional.

Dora MAAR. Sans titre [Assia], 1934. Négatif gélatino-argentique sur plaque de verre 24 x 18 cm. Collection Centre Pompidou, Paris - Musée national d'art moderne - Centre de création industrielle. © Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand Palais / Georges Meguerditchian. © VEGAP, 2015.

Dora MAAR. Sans titre [Assia], 1934. Négatif gélatino-argentique sur plaque de verre 24 x 18 cm. Collection Centre Pompidou, Paris – Musée national d’art moderne – Centre de création industrielle. © Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand Palais / Georges Meguerditchian. © VEGAP, 2015.

10. MUSAC. Sombras del viento. Del 3 de octubre de 2015 al 31 de enero de 2016.

A través de las fotografías, Alberto García-Alix, nos presenta dos de las temáticas esenciales que son su fuente de inspiración: la moto y el retrato. Dos formas de comprensión de su realidad a través de la fotografía.

La exposición persigue acompañar al autor a través de estos dos bloques de su obra y de su vida, en un viaje fotográfico y autorreferencial contado en primera persona. Las fotografías de época o vintage que encontramos en las vitrinas, son una selección de imágenes que conservan el tiempo y que se convierten en objetos. La reproducción de los libros originales en vídeo nos permite acercarnos a la visión y a la estética del autor en la época. Por último, las fotografías de nueva producción son una selección de sus últimos trabajos donde podemos ver la evolución de la mirada del artista en torno a las temáticas que nos ocupan.

Esta muestra constituye una parábola sobre la obra del García-Alix más esencial e íntimo, basculando entre dos temáticas que le definen como artista y como persona, en un arco temporal de más de treinta años de intenso trabajo fotográfico.

© ALBERTO GARCÍA-ALIX. Castellón 40 (s.d.). Cortesía del artista.

© ALBERTO GARCÍA-ALIX. Castellón 40 (s.d.). Cortesía del artista.

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Entrevista a Antonio Lazo

© Cecilia Lobel

Ya hemos hablado en otros post de la galería barcelonesa de Cecilia Lobel L & B contemporary art , ubicada en Poble Nou, una de las zonas más pujantes de la ciudad en cuanto a arte contemporáneo se refiere.

La galería está dedicada al arte contemporáneo, siempre dispuesta a la experimentación y a la investigación, sus propuestas artísticas son sumamente innovadoras.

Este verano presentaron la exposición “Acallar los ojos para que los oídos vean”, una propuesta que integraba una  instalación   site-specific  de arte sonoro   realizada  por J/A ,  una colaboración de  Joan Ill y Antonio Lazo.

Con motivo de la intervención pude charlar con el artista Antonio Lazo. El artista nos cuenta su formación, trayectoria, su amistad con Joan Ill y cómo realizó este proyecto.

L: ¿Qué proyecto presentas en la galería L&B contemporary art de Barcelona?

A: El titulo de la instalación es  “Acallar los ojos para que los oídos vean”. Un proyecto creado específicamente para la galería por el tándem J/A  (Joan ill /Antonio Lazo ).  De la larga amistad con Joan Ill ha surgido un proyecto de equipo que hemos denominado J/A. A pesar de que Joan volviese a Barcelona alrededor el año 2000, ha visitado París de forma periódica y nos hemos ido viendo con frecuencia. Hemos conversado sobre arte, visitado museos, exposiciones…En una de esas charlas él tuvo una ocurrencia de esas que le caracterizan y me dijo: Antonio, ¿por qué no trabajamos juntos? Al ser tan distintos en cultura, estilos, formación,  maneras de trabajar, altura, edad… lo tome como un chiste. Un tiempo después vine a Barcelona para realizar  un taller invitado por Cecilia Lobel, un curso intensivo de fin de semana en el que tratábamos sobre el video arte … Ahí, otra vez Joan insistió en emprender un trabajo conjunto pero la propuesta se quedó en el aire. Cuando regresé a Barcelona para una exposición y de nuevo me lo volvió a proponer, ya era la tercera vez y ya sabes que “ a la tercera va la vencida”.

L: ¿De que trata la propuesta? 

A:Nuestro objetivo era cumplir con  una serie de premisas planteadas inicialmente y creo que lo hemos logrado. La principal era partir de un  impedimento, de una zona neutra desde donde no pudiésemos trabajar con lo que ya habíamos hecho  anteriormente. Al ser artistas visuales decidimos eliminar lo visual para elegir otra vía: lo auditivo, lo táctil, lo olfativo… Optamos por lo auditivo. Empezamos a trabajar en torno al sonido y así comenzamos una propuesta que hoy ya es una realidad.

 

 

L: Se trata de una instalación de luz  y sonido que pudo visitarse desde el 10 junio hasta el 10 de julio. Háblanos un poco mas del proceso de creación del proyecto que presentáis.  

A: Si, así es. Obviamente el título de la instalación es una metáfora: “Acallar los ojos para que los oídos vean”. Una persona oye mejor cuando esta a oscuras, pero nos pareció  demasiado sencillo poder apagar la luz para poder concentrarse mejor en el sonido. Por ese motivo, para llegar a un mismo punto de partida,  decidimos hacer lo contrario: si encendíamos la luz y la llevábamos a su máxima exposición, esta misma podría llegar a cegarnos. A partir de aquí Joan decidió construir una lámpara que fuese capaz de cegar. La siguiente premisa era huir de la representación. Es un trabajo muy mínimal desde el punto de vista formal y la propuesta esta creada con muy pocos elementos.  El proyecto consta de una tarima, un cortinaje que circunscribe el espacio donde tiene lugar la acción, una gran lámpara de 42 tubos de neón y dos pares de bafles ( 2 en la parte superior y 2 mas en la inferior). La canción que elegimos como motivo para este trabajo fue Luna de Margarita  del venezolano Simón Díaz.

Para trabajar con esta pieza, la idea era evitar la parte melódica de la canción para quedarnos con el ritmo y la letra. De lo bafles inferiores se emite un sonido de repercusión que corresponde únicamente el ritmo de la pieza que hemos elegido. Desde los superiores se pueden oír la voz de Joan y la mía descodificando el contenido de la canción de diferentes formas y liberándola de cualquier tipo de emotividad; recitando de forma aséptica cada palabra del texto o deletreando cada letra de algunos parágrafos….

Para acercar al espectador al origen del proyecto, si este lo desea, puede oír con unos auriculares la canción completa Luna de Margarita, un vals llanero venezolano muy conocido.

L: Ahora cuéntanos, ¿Cómo comenzaste en el mundo del arte?

A: Ser artista era algo que estaba debajo de las aspiraciones de mi familia por aquel entonces…estamos hablando de los años 70. Comencé a estudiar psicología y entonces entendí que mi camino era el arte, finalmente estudié bellas artes. Después me especialice en el sector de la enseñanza dentro del ámbito artístico.

L: ¿Cuáles han sido tus mayores influencias?

A: Aunque suene muy lejano en el tiempo, si hay algún artista que de verdad me haya influido ha sido Picasso, y por tanto, también  ha sido mi peor enemigo.  Cuando aprendes mucho de alguien, ese aprendizaje se puede convertir en una barrera, por tanto, tuve que destruir a Picasso, igual que él destruyó la perspectiva. Otro gran pintor moderno que me influyó fue Matisse. Después viene Dupchamp, las dos vertientes del arte actual, Picasso hacia modernidad y Dupchamp hacia la contemporaneidad. De los artistas posteriores  me impactó Beuys, cuando conocí su obra me quedé mudo, se conmovió algo dentro de mí. Aprendí un nuevo lenguaje. Pase mucho tiempo conociendo y asimilando su obra.

L: Vives en París desde hace muchos años ¿por qué?

A: Gané un premio de una Institución del Estado de Venezuela que te otorgaba una pasantía durante un año en París.  Luego me pareció insuficiente un año para aprender de todo lo que París me ofrecía.  Y le propuse a la presidenta de la institución quedarme un año más. Realicé todos los papeles para poder prolongar el premio un año más. Tras finalizar la pasantía decidí quedarme.

Debido a que mi formación artística fue muy formal  a base de láminas y diapositivas,  lo más real a lo que podía acceder para mi formación en arte contemporáneo eran todas las obras expuestas en los museos de la ciudad. Para mi París fue un gran impacto. Todo aquello que había visto en revistas, diapositivas, libros ahora lo constataba con una mirada directa. Era tan real que no tenía lenguaje para poder conversar  y dialogar  con los cuadros, con las diferentes obras. En ese momento, finales de ochenta y primeros de los noventas, estaban en boga  Beuys, los nuevos figurativos norteamericanos,   David Salt… El Pompidou y el Louvre para mi eran unos laboratorios donde poder constatar  no tanto la imagen como la talla. Por ejemplo, una obra que copié muchas veces era un cuadro de Rembrant donde hay una res, y pensé que era muy grande, en cambio es un cuadro muy pequeño. Y al revés, Las bodas de Caná del Veronés, siempre lo realizaba en tamaño chiquito cuando es un cuadro enorme.  Ese constatar la verdadera dimensión del cuadro supuso para mí una revolución, un cambio profundo. Además la vida de París, que es tan universitaria,  estás en constante aprendizaje y me producía una gran satisfacción.

L: Pero siempre has trabajado a caballo entre París y Venezuela.

A: Hay una relación natural de dos culturas. Si algo le debo a  París es que me  permitió conocer mejor a Venezuela. Esa distancia  cultural, climática, geográfica, de lenguaje…

© Cecilia Lobel

© Cecilia Lobel

L: Desde 2004, desarrollas junto con la artista y profesora Zaira Bulhosse TAC, ¿en qué consiste exactamente este proyecto?

A: Mientras trabajaba en París y realizaba mis investigaciones, como también me siento docente por vocación, pensé en mi país. ¿Por qué no trasladar todo lo que estoy aprendiendo  a mi país?  Y se me ocurrió fundar un instituto privado para formar artistas en arte contemporáneo.  Le propuse a Zaina la idea. Ella es  una buena amiga, docente y una artista con una especial sensibilidad. Nos pusimos a trabajar en torno a esta idea y el proyecto duró ocho años hasta que la situación política en Venezuela ha impedido continuar con desarrollo del instituto.

L: ¿Has ofrecido algún taller pedagógico en Barcelona?

A: Uno intensivo de tres días, una charla debate, en torno al video arte , centrándonos en la figura de Bill Viola., por otro lado, también hicimos una charla en torno al libro ( ya del 2008) “Siete días en el Mundo del Arte” de Sara Thornton. Es un libro que se presta al debate. Joan me lo dejó para que leyese el capítulo sobre la docencia, pero enseguida me interesó todo el libro en el que se tocan distintos factores del arte, como las subastas o el coleccionistas, que me parecía una persona con un gusto más epidérmico, y me di cuenta de  que el coleccionista es una persona que investiga y que apuesta por el arte….Me viene a la cabeza Leona Castelli, ese señor cambió el mundo de las galerías y con él . el mundo del arte. Leona Castelli capta por donde van a ir las nuevas tendencias del arte y las sabe gestionar.

© Cecilia Lobel

© Cecilia Lobel

 

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L: Por último,  ¿Cómo surge la relación J/A, Antonio Lazo-Joan Ill?

A: Esta relación también tiene que ver con París. En el segundo año de estadía en París, como ya te conté anteriormente, decidí quedarme en Europa. Una amiga norteamericana, Lisa Garner, nos informó a mi esposa y a mí que había un artista que alquilaba su taller en Barcelona. Bueno, nosotros pensamos si no es París pues es Barcelona, vámonos para allá. ¡Y apareció Joan! Le di 1000 francos para asegurar el taller. Esa operación al final no se efectuó, porque alguien muy amigo mío nos propuso quedarnos en París y que costearía los gastos de alojamiento. Entonces decidimos seguir en París. El dinero que le di a Joan para alquilar el local, fue un dinero muy interesante, porque esa suma se transformó en libros que Joan me traía cuando me visitaba en París. Todos los libros que me interesaban, así los podía leer en castellano, ya que por aquel entonces me constaba un poco el francés. Así surgió esa amistad. Joan se estableció en París y nos hicimos vecinos. Pasábamos unas tardes estupendas tomando té, conversando sobre arte, visitábamos juntos las exposiciones, y de ahí surge esta gran amistad que tiene ya más de veinte años.

 

Propuestas expositivas en Bilbao

Bilbao se presenta este verano como uno de los destinos más interesantes para pasar unos agradables días. La arquitectura renovada, lugares preciosos por los que pasear, galerías y por supuesto, las magníficas exposiciones de las que se pueden disfrutar en los principales museos de la ciudad. Sin olvidar,  su famosa gastronomía, incluyendo los pintxos!! y a su estupenda gente ;).

El Guggenheim Bilbao para esta temporada exhibe dos de las exposiciones más atractivas de arte contemporáneo: Jeff Koons, Retrospectiva y Jean-Michel Basquiat, Ahora es el Momento.

Jeff Koons: Retrospectiva es una completa muestra de la trayectoria completa del artista. Desde sus primeras piezas hasta la actualidad. La exposición conquista casi por completo el espacio expositivo del museo, otorgando una amplia muestra, que permite estudiar, admirar y reflexionar cada una de las series y obras de arte de una forma relajada, sin agobios de espacio. Cada pieza tiene el espacio necesario.

Museo Guggenheim Bilbao © Jeff Koons

Museo Guggenheim Bilbao
© Jeff Koons

Si quieres saber más sobre esta exposición puedes leer el artículo que realicé en ¡Ah!Magazine.

En la tercera planta del Museo esta ubicada Jean-Michel Basquiat. Ahora es el Momento. Que se podrá visitar hasta el 1 de noviembre.

Explora a través de unas cien pinturas y dibujos del artista alguno de los temas más importantes de la innovadora obra de Basquiat. El enfoque artístico de Basquiat, único, innovador e irreverente, se nutría de los temas en los que el artista quería poner el foco de atención. El racismo, la lucha de clases, la hipocresía social y la historia negra, eran sus principales preocupaciones.

Sus inspiraciones venían tanto de la Historia del Arte, la alta cultura, como el Expresionismo Abstracto y el Arte Conceptual, como se valía de los temas más urbanos y underground, como el deporte, el hip hop, el jazz, los cómics y el grafiti, empleando motivos recurrentes para explorar los temas fundamentales en su arte y en su vida.

© Estate of Jean-Michel Basquiat. Licensed by Artestar, New York

© Estate of Jean-Michel Basquiat. Licensed by Artestar, New York

 

Por su parte, el Museo de Bellas Artes de Bilbao, exhibe Tucker: Masa Y Figura. Más de cien piezas entre esculturas y dibujos que nos acerca al universo del artista. Tucker repasa los temas clásicos de la mitología y de la historia del arte –cabezas humanas o animales, torsos, pies…– y culmina una visión que enfatiza la energía de la materia escultórica, en una secuencia emprendida por otros escultores del siglo XX como Auguste Rodin (París, 1840-Meudon, 1917) o Medardo Rosso (Turín, 1858-Milán, 1928).

Esculturas figurativas, que a primera vista no lo parecen.Todas parecen abstractas. Presencias físicas, masas en las que el modelado en yeso o arcilla de las manos del escultor traza gestos incompletos que conforman una superficie con la ambigüedad deliberada del non finito. Requieren que el espectador les dedique un poco de su tiempo a observar la escultura. De esta manera se revelan que son cabezas, torsos o manos con una cualidad monumental y un perfil cambiante que obligan al espectador a moverse a su alrededor y relacionarse no sólo visualmente sino también corporalmente con ellas. En este tiempo se va formando una relación especial entre espectador y obra, los ojos van dando forma a la figura, que hace que tengas una experiencia estética con la obra.

The Cave (Cueva), 2005 Cortesía del artista. Pangolin London ©Bellas Artes Bilbao

The Cave (Cueva), 2005
Cortesía del artista. Pangolin London
©Bellas Artes Bilbao

Espero que os animéis y vengáis a visitar Bilbao, seguro que tenéis una muy buena experiencia!!!!

 

Entrevista a JOAN ILL

Entrevista a JOAN ILL  con motivo de la inauguración de “HIVERNACIÓ”, la exposición que presenta en la recién inaugurada galería barcelonesa L&B contemporary art.

Aprovechando la inauguración de su última exposición en Barcelona he tenido la oportunidad de charlar con el artista catalán Joan ill sobre su trabajo.

Tanto Joan ill, el artista protagonista de esta exposición, como Cecilia Lobel, directora de la galería L&B contemporary art, se han mostrado muy generosos conmigo accediendo a la entrevista y entregándose al máximo cuando respondían. Me ha encantado su pasión y entusiasmo, eso es lo que distingue a los grandes profesionales. Muchas gracias chicos!

 Tú último trabajo es “Hivernació”. Ha sido una propuesta específica para la Galería L&B contemporary art?

Si, la propuesta está pensada para la galería, me gusta tener un objetivo concreto para trabajar, una fecha, un espacio… En este caso cada obra está concebida para un lugar de la sala. Disfruto jugando con eso, es un detonador de ideas.

¿En qué consiste Hivernació, en qué te has inspirado?

Tienes que venir a verla… Una de mis pasiones es la navegación. Hivernació viene de las ganas de aunar de una forma muy clara el hombre navegador con el hombre artista, y creo que en esta exposición lo he logrado.

En un espacio grande y alto, te encuentras con mi barco, un patín catalán de 5, 60 m de eslora por 1,60m de manga. Está colocado contra la pared, de forma inclinada. Al verlo te planteas como ha podido llegar hasta ahí. Es un ready-made  duchampiano pero llevado a mi lenguaje. Está enmarcado. Es un factor importante que configura la obra:  de hecho el marco es atravesado por el barco.

 

Háblanos un poco de la obra que expones

La instalación es la que  le da el título a la exposición “Hivernació – Hibernación” , pero la  exposición consta de varias piezas.

“Costa” es el título de  una pieza en formato rectangular muy depurada, en la que la transparencia de la tela y la luz es fundamental. Se trata de  una alegoría de la costa  que se puede ver desde el patín cuando navegas. Los materiales son orgánicos y naturales ( tela de lino, madera y barníz).

Joan ill “Costa” – 2015 Madera ,tela de lino, barniz Galería L&B contemporary art

Joan ill “Costa” – 2015
Madera ,tela de lino, barniz
Galería L&B contemporary art

Por otro lado, hay dos piezas basadas en la orientación, algo fundamental para los navegantes. Cuando realice estas dos obras – en las que juego de forma particular con la luz y las sombra- , me guió la idea de los dos nortes: el verdadero y el magnético (el que marca la brújula) . Esta idea me fascinaba y de ahí que en la obra aparezcan los dos. Por un lado,  el norte verdadero,   y en la pared el reflejo del norte magnético.  El navegante debe seguir el norte de la brújula sabiendo siempre que no es el real. Ese margen de incertidumbre me resulta muy atractivo y a la vez me hace sentir necesario al navegar… no se trata solo de apretar un botón y dejarse llevar.

Joan ill  “Norte - sur” 2015  Exposición “Hivernació . Hibernación”  Galeria L&B contemporary art

Joan ill
“Norte – sur” 2015
Exposición “Hivernació . Hibernación”
Galeria L&B contemporary art

 

La otra pieza es una vídeo -instalación que he realizado en colaboración con mi hija Anna. Ella me acompaño navegando en el patín catalán desde Tarragona al puerto de Barcelona y realizó una filmación  con una cámara GoPro durante el recorrido.  El vídeo muestra lo que se siente cuando navegas. Está en constante movimiento, como las cámaras que llevan los deportistas extremos. Transmite sensaciones muy básicas como, la velocidad, las olas, el sol, el roce de la cubierta, la sal del mar…

 Joan ill iy Anna ill “NSEO” 2015.  Exposición “Hivernació . Hibernación”  Galeria L&B contemporary art


Joan ill iy Anna ill
“NSEO” 2015.
Exposición “Hivernació . Hibernación”
Galeria L&B contemporary art

Complementan la exposición – pero en una sala aparte- unas piezas negras de la serie Personal Sadness. Es una serie  que realicé en un momento de duelo por la muerte de mi madre y aun no  las había expuesto. En estas obras trabajo la densidad del color negro , como  siempre  juego con la transparencia y la luz.  Creo que es una obra especialmente sensorial. Son piezas que transfieren paz…

 Joan ill  “Perssonal Sadnes”. Madera, tela pintura.  200 x 150cm.  Galeria L&B contemporary art


Joan ill
“Perssonal Sadnes”.
Madera, tela pintura. 200 x 150cm.
Galeria L&B contemporary art

La luz parece tener un gran importancia en tu obra, háblanos de ello.

Si, totalmente. La luz es fundamental en la instalación de cada una de mis obras. Me gusta cuidarla mucho, de hecho, cuando se venden van acompañadas de unas  instrucciones muy  estrictas. El encuadre y la potencia del foco es un elemento esencial para apreciar la transparencia y la esencia de cada obra.

En realidad se podría decir que siempre juego con los mismos elementos pero de formas distintas: con los materiales, la tela y el marco, el encuadre -yendo más allá de los elementos del cuadro-  y la luz.

¿Porqué le pusiste ese titulo a la exposición?

El título viene del barco que está hibernando, esperando a salir a navegar.

 Eres el primer artista que expone en el nuevo espacio de la galería L&B. ¿Cómo ha sido el proceso?  

Muy bien … conozco a Cecilia Lobel  desde hace años y me ha hecho mucha ilusión poder inaugurar la galería con mi exposición. Son muchos años trabajando juntos. Nos conocimos cuando ella trabajaba en la Fundación la Caixa, donde  yo expuse un proyecto comisariado por Raquel Medina. Después formé parte de la plantilla de artista  de L&B  cuando  estaba en el  espacio de Rambla Cataluña. Hemos hecho varios proyectos expositivos en equipo: “Travelling” , una retrospectiva que se expuso en  Vilanova, Barcelona y Paris en 2007 o  “Equorim iter” una video-instalación de gran formato  que se hizo en Damasco en colaboración con el Instituto Cervantes en 2009.

Has pasado una larga temporada de tu vida en Paris. Como crees que ha afectado afecto a tu trabajo?

Si , casi 11 años. Una etapa fundamental. Pasados los años eufóricos de los ochenta me traslade a París y mediante un largo proceso, me fui liberando de las referencias culturales tan fuertes que tenia ( Tapies, Miró…). Comencé a explorar otras vías, una pintura más depurada, más interesada en los materiales. Expuse en la Galería Keller de Paris a finales de los 80, en la Galeria Maeght de Barcelona en el 92…fue una época bastante activa. No fue hasta el 93, una vez instalado en Gentilly ( Paris),  cuando encontré un  contexto realmente favorable que me impulsó a realizar una obra mas reflexiva. De hecho , fue entonces  cuando se crearon los cimientos sobre los que  hoy  trabajo. Este proceso se vio reflejado en la exposición que hice en  la Galería Verena Hofer de Barcelona en 1996.  A partir de aquí empiezan las series Gentilly 3.6.9 ( 1993-1998), Paradisos Perduts ( 1999-2003), Limes ( 2004-2006) … hasta hoy.

¿Qué materiales utilizas?

Madera, tela de lino, pintura y costura. A veces hay poca pintura, le doy mas importancia a la  presencia de la tela y de la costura. Me gusta la austeridad  cromática,  los tonos neutros…Y no nos olvidemos de la luz claro,  es un elemento fundamental.

Por otro lado, mi obra  puede ser polivalente, sobre todo cuando hago instalaciones. En esos casos me adapto mucho cada lugar.   Disfruto haciendo proyectos  site-specific. Será por mi formación como diseñador….los espacios me encantan.

Joan ill. ”Paradisos Perduts” 2003  Intalación.  Fundació “la Caixa”

Joan ill.
”Paradisos Perduts” 2003
Intalación.
Fundació “la Caixa”

¿Cuál de tus trabajos son los que consideras más significativos? ¿Por qué?

 Creo que cuando empecé a utilizar la costura fue un paso importante. El hecho de  desmontar la tela que había pintado para añadirle mas tela – como un passepartout de lino- y luego  volver a montarla sobre un chasis mas grande me interesaba. Así empecé a trabajar los chasis, la madera, los volúmenes, la costura. Pintaba, desmontaba, cosida, montaba de nuevo…

Joan ill Gentilly 3.6.9 (N)   I  1994 240x200cm Telas de lino y algodón cosidas, pintura y hilo

Joan ill
Gentilly 3.6.9 (N) I 1994
240x200cm
Telas de lino y algodón cosidas, pintura y hilo

 Otro gran momento fue cuando logré entrar en contacto con la transparencia. La esencia y la pureza de la tela. Fui trabajando cada vez con telas de malla mas grande y menos opaca. Al montar y desmontar las telas pasé a hacer los chasis cada vez mas voluminosos… y para apreciar ese volumen la transparencia era fundamental.

 Joan ill  Paradisos Perduts (D) – 2000 200x170 cm Madera,telas de lino y algodón cosidas, pintura y hilo


Joan ill
Paradisos Perduts (D) – 2000
200×170 cm
Madera,telas de lino y algodón cosidas, pintura y hilo

El ultimo paso a sido la luz. Un paso fundamental…Estoy en ello.

Ahora mis obras son más depuradas. Son las obras que siempre he querido hacer.

¿Futuros proyectos?

El día 13 de junio presentamos un instalación de luz  y sonido  en la galería L&B. Es una propuesta que realizo en colaboración con Antonio Lazo,  artista venezolano y gran amigo desde hace décadas. Estoy muy contento de poder trabajar en tándem con el en este proyecto …era algo que teníamos pendiente.

Por otro lado estoy trabajando en una serie nueva que espero poder presentar muy pronto.

 

Si queréis saber más sobre Cecilia y Joan ill podéis leer la entrevista que le hice a Cecilia para ¡Ah! Magazine.

Fotos cedidas por Cecilia Lobel.

 

 

Jose Higuera

El pintor Jose Higuera ha sido galardonado en 2015 con la medalla de oro del “Foro Europa 2001” premio que recogerá el próximo 27 de marzo en el hotel Westin Palace. Desde aquí quiero darle mi enhorabuena al reconocimiento de una larga trayectoria artística.

Jose Higuera maneja con gran destreza el realismo, a través de sus pinturas podemos ver el mundo tal y como él lo ve. Abarcando varias temáticas: la figura, las marinas, el paisaje urbano o el bodegón, sus cuadros nos permite acercarnos a su universo. En la serie dedicada a la figura humana, podemos observar la ternura y el cariño hacia esos niños, que gracias a las gradaciones cálidas de la pintura aportan una sensación plácida y afable.

PicMonkey Collage. Niños

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La figura femenina mirando a través de la ventana, revela su estado de melancolía y meditación acerca de lo que pudo haber sido, sus dudas y angustias. La paleta palidece, haciendo uso del claro oscuro el óleo se vuelve más dramático que los anteriores, para representar a una mujer en un momento de nostalgia sentada al borde de la cama, que de alguna de las maneras nos puede recordar los interiores de Hooper, en los que su personaje femenino también refleja un momento de introspección.

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En Desnudo al Sol, Higuera muestra todo su virtuosismo para componer un desnudo femenino, influenciado por Venús y Danaes, en una composición atemporal, debido al fondo neutro y los ropajes de la mujer.

siesta al sol 81x116

Las marinas nos muestra al mar en diferentes momentos, uno sereno y apetecible, otro bravo y arrogante.

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Lluvia en Gran Vía, es uno de los que más me gustan, como los cuadros de los Hiperrealistas americanos e ingleses, la preocupación latente de Jose, es mostrar el reflejo de las vidrieras. Con un trabajo minucioso y delicado, cada destello de luz tiene su representación, cada persona su sombra, cada detalle su lugar, cada edificio su reverberación.

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Jose Higuera expone en una de las más prestigiosas galerías de Madrid, en la Galería Zúccaro, situada en el Barrio Salamanca. Su obra se puede disfrutar durante todo el mes de abril. En vivo su obra es aún más impactante, pudiendo apreciar las veladuras de la pintura, las gradaciones cromáticas y los sentimientos que cada una de sus obras provoca.

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La emergencia de las artistas femeninas

Revisando las notas de prensa acerca del balance del año anterior de Sotheby’s encuentro un hecho relevante que me gustaría compartir: la emergencia de las artistas femeninas.

Según la prestigiosa casa de subastas es un factor que se consolidará en este 2015. Y espero que el devenir de la historia y apreciemos a los artistas según su talento, al margen de su género.

Durante los últimos meses asistimos a un aumento en la apreciación y la reevaluación de las obras femeninas. El icónico y preciosos óleo georgiaJimson Weed, de la estadounidense Georgia O’Keeffe alcanzó un precio récord de 44.405.000 dólares, siendo la obra de una artista femenina más cara jamás vendida.

Otra pieza que consiguió causar un gran revuelo en el ámbito del Arte Impresionista y Moderno, fue la enigmática y evocadora obra de la artista estadounidense Kay Sage, que superó todas las expectativas al venderse por 7,1 millones de dólares, cuando se subastó en Londres el pasado febrero.

KeyAsí mismo, otra figura femenina notable en la escena del arte contemporáneo es la artista Vija Celmins. La escasez de su minucioso e intenso trabajo, hace que las obras de esta artistas sean muy codiciadas entre los coleccionistas desatando una feroz competencia cada vez que aparece en una subasta.

vija

La artista Julia Margaret Cameron, pionera de la fotografía en el siglo XIX, es otra creadora muy apreciada por los expertos en arte.

julia margaretA la sombra de sus colegas masculinos como Piero Manzoni, Lucio Fontana o Enrico Castellani, Dadamaino recuperó la importancia y relevancia que su arte se merece, siendo muy bien considerada por coleccionistas y expertos en arte, consiguió una alta cotización y la apertura de la investigación histórica de su trabajo.

dadamaino-volumeY no solo las artistas modernas y contemporáneas adquieren cada vez más relevancia y visibilidad. Una pintura redescubierta, María Magdalena, de la artista barroca Artemisa Gentileschi, para mi una de las mejores seguidoras de Caravaggio, alcanzó una extraordinaria suma de dinero, suponiendo un récord en la cotización de esta magistral pintora.

artemisaEstos datos nos rebelan un cambio en la forma de entender el arte, donde las artistas van adquiriendo cada vez más significación y se valora las cualidades artísticas y la calidad del trabajo realizado por las creadoras, a veces poco estudiadas e investigadas, y por tanto, menos conocidas.

Patricia Cancelo

El post de hoy se lo quiero dedicar a una gran artista y mejor persona, Patricia Cancelo.

Patricia es una mujer inspiradora que nos recuerda que todo llega si trabajamos y nos esforzamos por intentar alcanzar nuestros sueños.

PicMonkey CollageGallega de nacimiento a los quince años se mudó a Barcelona con su familia. Siempre tuvo claro que se quería dedicar al arte y a la gente. El año 2000 fue una fecha decisiva en su carrera. Conoció a la ceramista catalana Núria Pié y en su taller se adentró en el mundo de las  técnicas aplicadas gracias a las enseñanzas de la escultora Cado Manrique. Sintió como una revelación y ya nunca más quiso dejar de transformar materiales.

Más tarde entró a formar parte del taller Josep María Parés i Ventura, conocido como el maestro Pares.

Los inicios de Patricia no fueron fáciles, ya que el maestro Pares no quería enseñarla, argumentando que la forja y el hierro eran cosas de hombres. Pero Patricia no cejó en su empeño, y cada día iba a solicitar que le enseñara el oficio. Al cabo de un mes, el maestro Pares asombrado por la perseverancia de Patricia le dejó entrar y le dio una escoba para que barriese el local.  Ese fue el principio de una especial unión entre maestro y aprendiza que se prolongó a lo largo del tiempo. Patricia aprovechó cada una de sus enseñanzas para llegar a ser una genial escultora.

Desde entonces Patricia no ha parado de trabajar. A veces dedicarte al arte no es suficiente para poder llegar a fin de mes, así que ha compaginado su dedicación a la escultura con otros trabajos de comunicadora para diversos programas de televisión y radio.

Patricia no concibe el arte sin solidaridad por eso colabora con distintas asociaciones como Fundación privada Rosella y Child Care Foundation, donando un  porcentaje de lo que consigue de la venta de su trabajo.

Su obra ha sido expuesta en diversas galerías de Inglaterra, Suiza, Francia, Italia, Madrid, Barcelona, Islas Baleares, Bilbao…

Y ha recibido destacados premios y menciones de arte, como el Premio de Arte Categoría Talento 2013.

PicMonkey Collage.escultura redonda Además de esculturas, Patricia realiza joyas de diseño artesanas y pinta seda. Sus joyas han sido objeto de atención del Guggenheim de Bilbao y le encargó una colección para vender en la tienda del museo. Otros importantes museos o centros como el MNAC Museo Nacional de Arte de Cataluña, la Pedrera o la Sala Vinçon también cuentan con piezas de Patricia. Las joyas de Patricia adquieren una espectacular apariencia arquitectónica.

La obra de Patricia Cancelo refleja el universo y la personalidad de la artista, son obras de arte vitalistas, energéticas y cargadas de positivismo.

Sus esculturas, con influencias de Oteiza, Chillida y su propio maestro Parés, reflejan una sensibilidad y generosidad especial. Con formas geométricas donde los vanos tienen la misma importancia que el metal, representan lo más profundo del ser de la artista, sus miedos, sus inquietudes, sus alegrías, sus vivencias, en definitiva lo mejor de ella.

PicMonkey Collage. esculturillas Ahora Patricia se dedica por completo a su obra, ha conseguido vivir y trabajar como a ella le apasiona, dedicada al arte. ¿Y tú, vas a realizar tus sueños?

Para saber más: Patricia Cancelo

10 exposiciones para no perderse

El inicio del año comienza plagado de buenas exposiciones temporales. He aquí diez para apuntar en la agenda, seguro que más de una te gusta 😉

1. Museo Lázaro Galdiano. VÍDEO-RÉGIMEN. Coleccionistas en la era audiovisual. Del 13 de febrero al 11 de mayo de 2015.

Reúne una destacada selección de videoarte internacional procedente de una veintena de colecciones privadas de nuestro país. Poniendo en valor la labor del coleccionismo privado en España y su compromiso con la cultura contemporánea.

"Closure"(2005), William Doherty. Serie 1/3. 11min 20seg (loop). Vídeo monocanal, color, sonido. Cortesía: Estefanía Meana

“Closure”(2005), William Doherty. Serie 1/3. 11min 20seg (loop). Vídeo monocanal, color, sonido. Cortesía: Estefanía Meana

2. Fundación Juan March. Tres Escultores Ingléses (1952-1982). Del 4 de febrero al 1 de marzo de 2015.

La muestra de gabinete pretende destacar la obra de tres artistas tan relacionados entre sí como diversos, y sin los que la escultura del siglo XX no se entendería. Reúne unas pocas obras de Henry Moore, Barbara Hepworth y Anthony Caro, que consiguen con su contundente presencia plástica presentar, a un tiempo, tanto la renovación escultórica que tuvo lugar en Gran Bretaña a partir de los años treinta y hasta hoy como las dos maneras de abordar la práctica escultórica: el camino clásico de la escultura de masa y volumen y la plástica del assemblage, en la estela de las investigaciones inicialmente propuestas por el trabajo pionero de Pablo Picasso y Julio González en 1928.

Henry Moore, Mother and Child [Madre e hijo], 1953. Colección particular. © The Henry Moore Foundation, Hertfordshire

Henry Moore, Mother and Child [Madre e hijo], 1953. Colección particular. © The Henry Moore Foundation, Hertfordshire

3. Museo de Bellas Artes. Equipo Crónica (Valencia 1964-1981). Del 10 de febrero al 18 de mayo de 2015.

 Comisariada por Tomàs Llorens, reunirá en la sala BBK del museo más de 150 obras de este grupo mítico del arte español, constituido en 1964 por los valencianos Rafael Solbes, Juan Antonio Toledo y Manuel Valdés.

Equipo Crónica (Valencia 1964-1981) El Intruso 1969 Serie Guernica Diputación Provincial de Valencia

Equipo Crónica (Valencia 1964-1981)
El Intruso 1969
Serie Guernica
Diputación Provincial de Valencia

4. Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid. Dufy. Del 17 de febrero al 17 de mayo de 2015.

La exposición propone una relectura de su obra centrada no sólo en su vertiente hedonista, como pintor de los placeres de la vida moderna, sino, y sobre todo, en su faceta más introspectiva, reflexiva y personal.

Raoul Dufy La pequeña palmera 1905 Óleo sobre lienzo 91 x 79 cm Colección Carmen Thyssen-Bornemisza en depósito en el Museo Thyssen-Bornemisza

Raoul Dufy
La pequeña palmera
1905
Óleo sobre lienzo
91 x 79 cm
Colección Carmen Thyssen-Bornemisza en depósito en el Museo Thyssen-Bornemisza

5. Museo Picasso de Málaga. Movimientos y Secuencias. Colección. Del 2 de febrero al 17 de mayo de 2015.

la muestra de gabinete reúne un conjunto de dibujos y grabados realizados por Pablo Picasso entre los años 1906 y 1925. Se trata de 30 obras de la colección del MPM, además de una escultura de la Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte (FABA) en préstamo de larga duración, y un óleo del Museu Picasso de Barcelona. Esta selección dialoga con trabajos de otros autores coetáneos en el tiempo, como María Blanchard, Georges Braque, André Derain, Federico García Lorca, Ismael González de la Serna, Joan Miró, Joaquín Peinado, José Moreno Villa y Jacques Villon entre otros, así como con obras del fotógrafo Paul Strand y del pintor y cineasta Hans Richter. Esta muestra desarrolla un modelo de exhibición abierto, que apuesta por una manera de mirar cercana a la antropología, aventurando al visitante en un mapa cognitivo que marca conceptos, ideas y pequeñas cápsulas de información que sirven para comprender el escenario en el que estas obras de arte fueron creadas.

Jesús Domínguez © Museo Picasso Málaga'

Jesús Domínguez © Museo Picasso Málaga’

6. Matadero Madrid. Five Since de Dani Madox. Del 3 al 15 de febrero de 2015.

Con los cinco sentidos como hilo conductor (1. Vista, 2. Oído, 3. Olfato, 4. Tacto y 5. Gusto), contará con una serie de obras de acrílico sobre lienzo, en su mayoría, de diferentes tamaños y temáticas pero interviniendo cada una de ellas desde estos cinco sentidos.

proyecto Five Senses de Dani Mádox. Matadero ©

proyecto Five Senses de Dani Mádox. Matadero ©

7.Artium. Turno de Noche. Del 30 de enero hasta el 17 de mayo de 2015.

La muestra reúne una decena de obras, realizadas para este proyecto, en las que Fermín Jiménez Landa, artista navarro,  mantiene una línea de trabajo que le permite contemplar “el mundo desde un punto de vista equidistante entre lo absurdo y lo sensato, lo familiar y lo iconoclasta, lo empírico y lo inverificable”. Dentro de esa línea, la exposición toma el título del de una de las obras presentes en ella que, paradójicamente, el visitante no podrá ver: todo el techo cubierto de estrellas, que se cargan con la luz que de día ilumina el resto de piezas y que sólo brillarán, como las del cielo, cuando el museo cierre y las luces de la sala se apaguen.

Turno de Noche.  Fermín Jiménez Landa. Artium ©

Turno de Noche.
Fermín Jiménez Landa.
Artium ©

8. Blanca de Berlín. Los restos y La Playa. Del 29 de enero al 11 de abril de 2015.

La Galería Blanca de Berlín expones dos muestras al mismo tiempo. Los restos de Pep Carrió y La Playa de Pérez Siquier, dos artistas de acentuada personalidad y claras diferencias conceptuales y estéticas. Sin embargo, la objetualidad de Los restos dialoga a la perfección con el estilo pop de Pérez Siquier en La playa.

© Recuerdo #6, 2014.Pep Carrió

© Recuerdo #6, 2014.Pep Carrió

9. Helga de Alvear. PLAYTIME. Del 15 de enero al 16 de mayo de 2015

Una instalación en tres pantallas concebida especialmente para el espacio de la galería en Madrid. PLAYTIME es la última película de Isaac Julien.

PLAYTIME explora la problemática alrededor del universo del capital. La película está protagonizada por una serie de reconocidos actores, entre los que destacan Maggie Cheung, Mercedes Cabral, James Franco, Ingvar Eggert Sigurðsson y Colin Salmon, incluyendo a Simon de Pury, subastador y coleccionista. La exposición cuenta también con la proyección de ENIGMA, un vídeo a partir de 2.500 imágenes fijas que retrata la ciudad y paisajes de Dubái.

Playtime. Helga de Alvear©

Playtime. Helga de Alvear©

10.Museo Reina Sofía. Daniel G. Andújar. Sistema Operativo. Del 20 de enero al 4 de mayo de 2015.

La exposición realiza un recorrido por los veinte años de creación de este artista visual y teórico. Nacido en Almoradí (Alicante) en 1966, Andújar trae al Museo obras de nueva producción y trabajos anteriores pocos conocidos o nunca vistos en España.

Daniel G. Andújar. Not Found , 2014. Cortesía del artista.

Daniel G. Andújar. Not Found , 2014. Cortesía del artista.

Las aportaciones de Cindy Sherman y Frank Ghery para Louis Vuitton

Louis Vuitton fundó su Maison en 1854. Al morir, en 1896, su hijo George Vuitton creó el Monogram como tributo a su padre fallecido. De esta manera nació un icono.

El Monogram fue revolucionario para su época, creando una asociación entre logotipo y marca. Al ver la L & V entrelazadas, nuestra mente relaciona las iniciales con el lujo, el diseño y la exclusividad.

Para “una celebración del Monogram” Louis Vuitton ha invitado a seis iconoclastas, Christian Louboutin, Cindy Sherman, Frank Ghery, Karl Lagerfeld, Mark Newson y Rei Kawakubo, a que hagan su propia interpretación del monograma y lo que para ellos supone los míticos baúles y bolsos de la firma. Los creadores han estampado en la lona lo que consideraban que más se ajustaba al espíritu Louis Vuitton. Diseños que borran las fronteras entre moda, arte, arquitectura y diseño industrial.

La artista Cindy Sherman ha realizado para la ocasión Camara Messenger, inspirándose en las coloridas etiquetas de hoteles adheridas a los baúles vintage de Vuitton.

Es una obra muy personal, en que cada uno de los nueve parches bordados en el bolso hace referencia a su obra. Su carrera como fotógrafa, su crítica hacia los estereotipos de mujer y su peculiar dramatismo esta presente en el diseño.

También ha reinterpretado el clásico baúl que utilizaban los antiguos viajeros adinerados. Al igual que en el bolso, los motivos utilizados son elementos propios de su trabajo que ilustran su trayectoria como artista.

PicMonkey Collage. Cindy shermanEl interior colorista está inspirado en el plumaje del señor Frida, el pájaro guacamayo de la artista. Al baúl le incorporó una bandolera independiente para la cámara.

Frank Ghery, por su parte, ha creado Twisted Box. Un modelo de apariencia delicada pero de fuerte personalidad, donde las líneas rígidas típicas del icónico baúl de Vuitton se alian con las sinuosas curvas características de las creaciones de Frank Ghery.

PicMonkey Collage.frank ghery

Fuente:

http://es.louisvuitton.com/esp-es/la-maison/celebracion-del-monogram

Calles y rostros de Berlín

El 9 de noviembre se cumplirán veinticinco años de  la caída del muro de Berlín. Para conmemorar esta fecha tan importante en la historia y en nuestras vidas, varios museos e instituciones celebran exposiciones, conferencias o proyecciones de películas, entre otros eventos.

El Museo Thyssen-Bornemisza y la Embajada de la República Federal rinden homenaje a la ciudad de Berlín y  sus habitantes celebrando la exposición Calles y rostros de Berlín. Una muestra que se me antoja sumamente interesante, ya que me encanta el periodo de entreguerras, y están expuestos varios de los pintores que más me conmueven, Groz, Dix, Kirchner o Schad.

Con fondos procedentes de la colección del Thysenn, la muestra tiene como protagonista absoluto a la ciudad de Berlín y a sus habitantes, descubriéndonos el gran talento artístico que había en Berlín en aquellos momentos,  el primer tercio del siglo XX. Cada uno con su visión particular, en la mayoría de los casos llena de ironía y crítica social, retratan los edificios, las calles o rostros de la sociedad berlinesa, adelantando los acontecimientos terribles que estaban por suceder.

PicMonkey Collage.KirchnerKirchner, perteneciente al grupo Die Brücke, es uno de los mayores representantes del Expresionismo. El Expresionismo supone el desarrollo de un sistema de representación basado en la alteración de figuras y objetos en función de la expresión. En Calle con buscona de rojo (1914-1925) destaca una figura femenina ataviada con un largo abrigo rojo. El color es utilizado para subrayar los efectos expresivos, la figura, realizada mediante líneas distorsionadas, destaca de la multitud, de una masa de hombres anodinos de traje negro. La pintura de Kirchner, de trazos y formas angulosas, subraya junto al color, la visión de un pintor que mira de forma crítica lo que sucede a su alrededor.

El precioso retrato de  Quappi con suéter rosa, en el que la protagonista es  la bella esposa de Max Beckmann, fue realizado entre 1932-1934. En 1933 Hilter se hacía con el poder. Un año después del ascenso del nazismo, Beckmann modificó el retrato, borrando la sonrisa inicial con la que había pintado a su Quappi, para dibujar una mueca más seria y de preocupación. El mundo estaba cambiando, y otros tiempos habían comenzado.

199VISO-XX-543_3.1.Otros artistas afincados en Berlín, como Ludwing Meidner o Lyonel Feininiger, se sintieron atraidos por las calles en constante metamorfosis y adaptaron  elementos formales del cubismo, orfismo o el futurismo para la realización de sus obras, como se puede apreciar en la dama de malva (1922). En este óleo se puede apreciar el audaz y refinado empleo de las líneas. Los edificios aparecen como telón de fondo y la atención recae sobre la figura de la mujer. Los colores del fondo contrastan con la gama cromática del vestido.

George Grosz, Otto Dix, Schad y Rudolf Schlichter formaron parte de la Nueva Objetividad, que surge en los años veinte y es disuelto por los nazis. Comprometidos con la realidad social y política del momento, proponen una pintura crítica. La representación distorsiona los contenidos, sus obras revelan una inquietud y un desasiego de profundo carácter sociológico. Otto Dix denuncia, con una gran calidad plástica, el estado de una sociedad en crisis, la angustia ante una situación inestable e insegura. Groz, es mucho más mordaz, mediante sus caricaturas denuncia el abuso de poder de la élite. Militares, banqueros, burgueses, capitalistas y el clero, todos son criticados en una pintura sarcástica, que refleja la gran crisis social y económica de Alemania después de la Primera Guerra Mundial. En Escena callejera retrata a la burguesía caminando por la calle,donde las clases acomodadas se contraponen al lisiado de guerra. En sus cuadros se puede apreciar una extraordinaria modernidad plástica.

Schad, tras su estancia en Italia en la que estudia la obra de los grandes maestros como Rafael, decide abandonar su estilo inicial, más cercano al futurismo y el cubismo,  cercano a la abstracción, para regresar al estilo figurativo. Realiza sobre todo retratos, de una gran elegancia, con un cuidado especial en el detalle. En Retrato del Dr. Haustein (1928 ) realiza un inquietante pintura del Haustein, prestigioso dermatólogo judío, especialista en enfermedades venéreas. Haustein sujeta con su brazo uno de los instrumentos de su oficio. Algo que nos llama la atención y nos resulta misterioso. Pero lo más inquietante en esta obra es la espeluznate sombra que se erige detrás del retratado, que no pertenece al Haustien. Según el testimonio del propio pintor,esta sombra de una figura femenina fumando, que se asemeja a las realizadas en el cine expresionista, es la Sonja, una modelo de la que se había enamorado el doctor.

PicMonkey Collage. groz y schad

La exposición esta compuesta por dieciocho cuadros, en los que además de los artistas comentados, también están presentes Ludwig Meidner, Johannes Itten, Conrad Felixmüller, Albert Henrich y Karl Hubbuch.

Todos estos artistas, tremendamente sensibles a lo que pasaba a su alrededor, supusieron el inicio de una turbulenta historia. El Holocausto y la Segunda Guerra Mundial dejó un rastro de muerte y destrucción que parecía haber eliminado todos los ideales artísticos de preguerra. Sin embargo, la caída del muro a devuelto a Berlín su carácter de innovación, de metrópolis moderna y referente artístico.