Hay que tener arte

Inicio » Arte en femenino

Category Archives: Arte en femenino

Montse Companys Serra

Montse Companys Serra, es una artista catalana de larga trayectoria. Nació en Cerera (Lérida), aunque gran parte de su repertorio lo ha realizado en Barcelona, ciudad en la que reside desde su juventud. El ambiente cultural de la ciudad le ha influenciado notablemente en su proceso creativo.

Pintora, principalmente, de paisajes y retratos que le han embaucado por su belleza y originalidad. En cada uno de sus cuadros se puede apreciar una gran sensibilidad.

PicMonkey Collage. MOntse 1

La obra de Montse Companys posee un gran sentido del color y una magnífica pincelada.

Sus retratos logran captar la psicología del personaje, con especial atención a los ojos, que parecen tener vida propia. Con una técnica que nos recuerda a los impresionistas y postimpresionistas, las influencias de Renoir, Monet, Mary Cassat o Cézzanne están presentes en el lienzo.

PicMonkey Collage. Montse 3

La descomposición del color, la incidencia de los rayos del sol reflejada en el lienzo, las manchas de pintura, nos ofrece, al igual que las obras de los grandes maestros del impresionismo, las sensaciones que produce. El calor del sol, una suave brisa, la diversión de los niños o la serenidad de los adultos.

PicMonkey Collage. MOntse 2

Los paisajes, donde la naturaleza es la protagonista, nos transmite una sensación de paz y sosiego. Pintura al natural, en la que Montse sale de su estudio y se empapa de todo aquello que quiere captar. La amplia paleta de color se yuxtapone y el colorido no se estructura en base a los valores tonales.

PicMonkey Collage. MOnste 4

Al igual que los grandes maestros impresionistas, Montse retrata el lado amable de la vida. Personas felices y exuberante naturaleza que transmite sensaciones agradables.

PicMonkey Collage. MOnste 6

PicMonkey Collage. MOnstse 5

A lo largo de más de 20 años de carrera ha expuesto en una numerosas galerías, entre las que cabe destacar, Real Círculo Artístico de Barcelona, Galería de Arte El Corte Inglés de Barcelona, Galería Agora 3 Sitges, Sala Rusinyol Sant Cugat del Vallès, Galería Mar de Barcelona o Augusta de Barcelona.

IMG_6022

La emergencia de las artistas femeninas

Revisando las notas de prensa acerca del balance del año anterior de Sotheby’s encuentro un hecho relevante que me gustaría compartir: la emergencia de las artistas femeninas.

Según la prestigiosa casa de subastas es un factor que se consolidará en este 2015. Y espero que el devenir de la historia y apreciemos a los artistas según su talento, al margen de su género.

Durante los últimos meses asistimos a un aumento en la apreciación y la reevaluación de las obras femeninas. El icónico y preciosos óleo georgiaJimson Weed, de la estadounidense Georgia O’Keeffe alcanzó un precio récord de 44.405.000 dólares, siendo la obra de una artista femenina más cara jamás vendida.

Otra pieza que consiguió causar un gran revuelo en el ámbito del Arte Impresionista y Moderno, fue la enigmática y evocadora obra de la artista estadounidense Kay Sage, que superó todas las expectativas al venderse por 7,1 millones de dólares, cuando se subastó en Londres el pasado febrero.

KeyAsí mismo, otra figura femenina notable en la escena del arte contemporáneo es la artista Vija Celmins. La escasez de su minucioso e intenso trabajo, hace que las obras de esta artistas sean muy codiciadas entre los coleccionistas desatando una feroz competencia cada vez que aparece en una subasta.

vija

La artista Julia Margaret Cameron, pionera de la fotografía en el siglo XIX, es otra creadora muy apreciada por los expertos en arte.

julia margaretA la sombra de sus colegas masculinos como Piero Manzoni, Lucio Fontana o Enrico Castellani, Dadamaino recuperó la importancia y relevancia que su arte se merece, siendo muy bien considerada por coleccionistas y expertos en arte, consiguió una alta cotización y la apertura de la investigación histórica de su trabajo.

dadamaino-volumeY no solo las artistas modernas y contemporáneas adquieren cada vez más relevancia y visibilidad. Una pintura redescubierta, María Magdalena, de la artista barroca Artemisa Gentileschi, para mi una de las mejores seguidoras de Caravaggio, alcanzó una extraordinaria suma de dinero, suponiendo un récord en la cotización de esta magistral pintora.

artemisaEstos datos nos rebelan un cambio en la forma de entender el arte, donde las artistas van adquiriendo cada vez más significación y se valora las cualidades artísticas y la calidad del trabajo realizado por las creadoras, a veces poco estudiadas e investigadas, y por tanto, menos conocidas.

Patricia Cancelo

El post de hoy se lo quiero dedicar a una gran artista y mejor persona, Patricia Cancelo.

Patricia es una mujer inspiradora que nos recuerda que todo llega si trabajamos y nos esforzamos por intentar alcanzar nuestros sueños.

PicMonkey CollageGallega de nacimiento a los quince años se mudó a Barcelona con su familia. Siempre tuvo claro que se quería dedicar al arte y a la gente. El año 2000 fue una fecha decisiva en su carrera. Conoció a la ceramista catalana Núria Pié y en su taller se adentró en el mundo de las  técnicas aplicadas gracias a las enseñanzas de la escultora Cado Manrique. Sintió como una revelación y ya nunca más quiso dejar de transformar materiales.

Más tarde entró a formar parte del taller Josep María Parés i Ventura, conocido como el maestro Pares.

Los inicios de Patricia no fueron fáciles, ya que el maestro Pares no quería enseñarla, argumentando que la forja y el hierro eran cosas de hombres. Pero Patricia no cejó en su empeño, y cada día iba a solicitar que le enseñara el oficio. Al cabo de un mes, el maestro Pares asombrado por la perseverancia de Patricia le dejó entrar y le dio una escoba para que barriese el local.  Ese fue el principio de una especial unión entre maestro y aprendiza que se prolongó a lo largo del tiempo. Patricia aprovechó cada una de sus enseñanzas para llegar a ser una genial escultora.

Desde entonces Patricia no ha parado de trabajar. A veces dedicarte al arte no es suficiente para poder llegar a fin de mes, así que ha compaginado su dedicación a la escultura con otros trabajos de comunicadora para diversos programas de televisión y radio.

Patricia no concibe el arte sin solidaridad por eso colabora con distintas asociaciones como Fundación privada Rosella y Child Care Foundation, donando un  porcentaje de lo que consigue de la venta de su trabajo.

Su obra ha sido expuesta en diversas galerías de Inglaterra, Suiza, Francia, Italia, Madrid, Barcelona, Islas Baleares, Bilbao…

Y ha recibido destacados premios y menciones de arte, como el Premio de Arte Categoría Talento 2013.

PicMonkey Collage.escultura redonda Además de esculturas, Patricia realiza joyas de diseño artesanas y pinta seda. Sus joyas han sido objeto de atención del Guggenheim de Bilbao y le encargó una colección para vender en la tienda del museo. Otros importantes museos o centros como el MNAC Museo Nacional de Arte de Cataluña, la Pedrera o la Sala Vinçon también cuentan con piezas de Patricia. Las joyas de Patricia adquieren una espectacular apariencia arquitectónica.

La obra de Patricia Cancelo refleja el universo y la personalidad de la artista, son obras de arte vitalistas, energéticas y cargadas de positivismo.

Sus esculturas, con influencias de Oteiza, Chillida y su propio maestro Parés, reflejan una sensibilidad y generosidad especial. Con formas geométricas donde los vanos tienen la misma importancia que el metal, representan lo más profundo del ser de la artista, sus miedos, sus inquietudes, sus alegrías, sus vivencias, en definitiva lo mejor de ella.

PicMonkey Collage. esculturillas Ahora Patricia se dedica por completo a su obra, ha conseguido vivir y trabajar como a ella le apasiona, dedicada al arte. ¿Y tú, vas a realizar tus sueños?

Para saber más: Patricia Cancelo

Natalia Gromicho

Natalia Gromicho es una talentosa artista portuguesa que acabo de conocer, y me gustaría compartir con vosotros su arte.

Se graduó en la Facultad de Bellas Artes de Lisboa, con especialidad en pintura.  Artista prolífera, a participado en más de 70 exposiciones, represando a su país en exhibiciones internacionales en países como Italia, Brasil, Miami, Australia, Estados Unidos, Rusia, Francia o Inglaterra.

A lo largo de su dilatada carrera, ya lleva más de veinte años pintando, sus obras han ido variando. Sus primeros trabajos figurativos han ido mutando en pintura abstracta, donde las formas se han ido diluyendo, que parecen atrapadas en el lienzo.

PicMonkey Collage. natalia 1

1Beijo Robado.2 Waiting for lovernatalia.3 Pexeira. 4Caravela Fantasma

Sus raíces lusas están presentes en sus creaciones: el Chiado, el fado, los pescadores, los conquistadores y los azulejos portugueses, aparecen constantemente en el lienzo, para plasmarlos con una lírica misteriosa.

Natalia Gromicho se inspira en imágenes elementales, de la naturaleza y el paisaje, la cultura y las personas que encuentra en sus viajes para transformarlo en un mundo enigmático mediante contrastes de escala, cambios de enfoque, imágenes entrecortadas y superficies múltiples. La percepción sensorial de Natalia es una actividad espiritual, que conduce a una mayor conciencia de la naturaleza. Nos ofrece todo su mundo interior que nos invita a reunirnos con ella.

Muchas de sus obras hacen referencias a las concepciones teóricas de vanguardia de deconstrucción emergentes durante el Modernismo.

Su trabajo es intenso, vital y sensible. Pintura colorista con inquietantes figuras humanas que nos emocionan.

PicMonkey Collage. natalia 2

1China Town.2Lost in Singapore.3Night II.4Night.5.Partitura.6Train is arriving

PicMonkey Collage. natalia3 En sus más recientes cuadros la pintura se ha vuelto más abstracta, matérica, de trazos gruesos y perforaciones en el lienzo que nos transmite sensibilidad. Un mundo onírico y de fantasía que se confunde con la realidad. Una pintura poética e hipnótica.

Si viajas a Lisboa puedes disfrutar de su arte en meetiNG art gallery situada en el barrio de Chiado.

Para saber más: Natalia Gromicho

Audrey Flack

Audrey Flack (Nueva York, 1931) es una famosa artista, pintura y escultora. Forma parte de los pioneros del fotorrealismo, la única mujer de la primera generación del movimiento. Aquellos creadores que en los años 60, cada uno por su lado y sin conocerse, se dedicaron a fotografiar y retratar el mundo que los rodeaba. Los primeros indicios del hiperrealismo se dieron en Nueva York y California.

Se establecía como fotorrealista aquellos artistas que utilizaban la cámara fotográfica como elemento esencial para realizar sus pinturas. Trasladaban la imagen al lienzo lo más objetivamente posible y con una ejecución tan minuciosa que producía en el espectador una sorprendente ilusión de realidad, privada de cualquier emoción. Además de emplear más de cinco años para concluir el cuadro.

Pero las obras de Flack  ofrecen algunas diferencias a las de sus colegas Chuck Close, Richard Estes o Ralph Goings. Mientras que ellos pintaban iconos culturales, la vida cotidiana de barrios, ciudades o el campo, coches y motos, de gran pericia técnica pero totalmente asépticos, Audrey Flack realizaba bodegones con objetos personales, en los que los sentimientos siempre están presentes.

Queen.pick

El cuadro Queen (1975) Audrey se lo dedicó a su madre. En lo que parece una foto en tres dimensiones, se disponen una pieza de ajedrez (una dama), una carta (la dama de corazones), cosméticos, una rosa fresca y hermosa, un gajo de naranja ya un poco seco, una manzana, un colgante con la letra F, un medallón con las fotos de Audrey y su madre, medicamentos y un reloj de bolsillo. Objetos que nos remiten al homenaje que la artista hace a su madre, ya mayor y algo enferma, pero que con ayuda del maquillaje y de los medicamentos luce hermosa, y que siempre ha sido y siempre será una reina.

Los hiperrealistas utilizan sobre todo el aerógrafo para pintar los cuadros, dando algún retoque con óleo. Pero Audrey utiliza la técnica al óleo para realizar sus obras.

PicMonkey Collage. Audrey

Carol Rama en el MACBA

Hasta el 22 de febrero se puede disfrutar del arte de la artista italiana Carol Rama en el MACBA de Barcelona.

Me parece de vital importancia que galerías y museos dediquen exposiciones monográficas a figuras femeninas, aprender de ellas y reivindicar su importancia en la Historia del Arte.

El MACBA realiza la muestra más amplia dedicada a Carol Rama realizada hasta el momento. Reúne 200 obras que abarca una extensa dilatada carrera, ocho décadas!, desde 1936 hasta 2006.

Carol Rama desafía las narrativas dominantes y crea una representación disidente de la sexualidad femenina. Resulta una artista imprescindible para entender las mutaciones de la representación en el siglo XX y el trabajo de artistas como Cindy Sherman, Kara Walker, Sue Williams, Kiki Smith o Elly Strik.

Para comprender mejor la obra de Carol Rama, que a priori nos puede resultar un tanto extraña, voy a realizar una breve reseña a partir de la información proporcionada por el MACBA.

Carol Rama nació en Turín en 1918. De formación autodidacta, es en los años treinta y cuarenta, cuando empieza a inventar su propio estilo artístico a través de acuarelas figurativas que firmaba como Olga Carolina Rama.

En sus primeros trabajos artísticos aparecen figuras femeninas con miembros amputados y lenguas erectas representadas de forma vital y muy sexualizadas, retratadas como sujetos políticos y de placer. Se trata de una rebelión contra los ideales normativos de género, sexuales y de normalidad cognitiva y física impuestos por la Italia de Mussolini.

Al ser expuestos por primera vez en 1945, fueron censurados por “obscenidad” por el gobierno italiano.

Este veto de las autoridades del país, Rama lo interpretó como una invitación a abandonar el conflicto de los motivos figurativos y pasar a la “guerra abstracta”, según la propia artista. A partir de este momento sus obras irán firmadas como Carol Rama.

Comienza a experimentar con diferentes materiales y nuevas técnicas. Desarrolla lo que denominó “bricolages”: mapas orgánicos hechos con uñas, cánulas, signos matemáticos, jeringuillas y componentes eléctricos.

Su obra se vuelve más sensitiva para desarrollar una poética de protesta contra los parámetros actuales. Los Bricolages de Rama ponen en cuestión la experiencia de lectura: estos textos y estas imágenes ya no están realizadas para ser leídos o vistos, sino para ser “experimentados” con todos los sentidos.

En los años sesenta, Carol Rama permanece casi invisible en una Italia dominada en su perspectiva artística por los artistas masculinos del arte povera (Paolini, Merz, Pistoletto…) Aunque no por ello inactiva, su obra en esta década se puede denominar queer povera. Para Rama no sólo los objetos inorgánicos de deshecho debían ser recuperados por los artistas, sino también el propio cuerpo, con sus órganos y fluidos, objetos de ka gestión política y del control social, debían ser utilizados por el artista para crear su obra.

En los años setenta la artista experimenta con el caucho proveniente de neumáticos de bicicleta como elemento plástico. Los moldea, los transforma en superficies bidimensionales, crea formas a través del ensamblaje de distintos colores y texturas. Rama a partir de estos neumáticos envejecidos por la luz y el tiempo, deshinchados, flácidos y en descomposición crea un paralelismo con nuestro propio cuerpo “organismos todavía bien definidos y vulnerables”.

Carol Rama no es reconocida como una gran artista hasta los años 80. La historiadora y crítica del arte Lea Vergine “descubre” la obra de la artista. Incluye una colección de las acuarelas realizadas por Rama en los años 30-40 en la exposición L’altra metá dell’avanguardia 1910-1940, en la que se exponían obras de un centenar de artistas mujeres.

Este descubrimiento, vuelve a invisibilizar su obra en dos aspectos: la “reconoce” a condición de presentarla como “mujer” y sólo se presta atención a la producción artística inicial, las acuarelas del periodo 1930-1940, eclipsando su obra posterior.

Rama vuelve a recuperar la figuración y representar de nuevo a las Dorinas y las Appasionatas, que fuera del contexto en las que fueron creadas se vuelven como inscripciones fantasmáticas del trauma del borrado histórico.

Durante los noventa, Carol Rama recurre a la vaca loca para buscar un lugar de identificación. Utilizando los materiales propios de su producción se reorganizan para formar una anatomía dislocada que nada tiene que ver con un cuerpo. Sin embargo, Rama califica estas obras no figurativas de autorretratos.

1.Appassionata 1939 Acuarela sobre papel Colección particular Foto: Pino Dell'Aquila, Torino 2.Presagi di Birnam 1970 Tubos de cámara de bicicleta sobre soporte de hierro 180 x 122 x 60 cm © de la foto: Museo del Novecento, Milano “Copyright Comune di Milano – todos los derechos reservados 3.Opera núm. 54 1941 Acuarela sobre papel 48 x 33 cm Colección particular © Associazione Archivio Carol Rama 4.Venezie 1983 Acuarela sobre papel entelado 38,8 x 30 cm Col•lecció particular © Associazione Archivio Carol Rama

1.Appassionata
1939
Acuarela sobre papel
Colección particular
Foto: Pino Dell’Aquila, Torino
2.Presagi di Birnam
1970
Tubos de cámara de bicicleta sobre soporte de hierro
180 x 122 x 60 cm
© de la foto: Museo del Novecento, Milano “Copyright Comune di Milano – todos los derechos reservados
3.Opera núm. 54
1941
Acuarela sobre papel
48 x 33 cm
Colección particular
© Associazione Archivio Carol Rama
4.Venezie
1983
Acuarela sobre papel entelado
38,8 x 30 cm
Col•lecció particular
© Associazione Archivio Carol Rama

La Mamá de Louise Bourgeois

louise_bourgeoisLouise Bourgeois (París 1911- Estados Unidos 2010) es una de las artistas que ha dejado una profunda huella en la Historia del Arte.

Escultora y artista cada una de sus obras nos supone un reto a descubrir. A lo largo de su dilatada carrera la artista fue creando un lenguaje propio en el se aprecian influencias de los principales movimientos de vanguardia del siglo XX. Surrealismo, Expresionismo Abstracto y el Posminimalismo están presentes en su obra, aunque siempre innovando.

Sus obras hacen referencia a su mundo interior. Mantuvo una afectuosa pero complicada relación con sus padres. El padre de Bourgeois engañaba a su madre, siendo esta cómplice de la situación. Para Louise que adoraba a su madre, fue un episodio traumático, que influyó en su obra durante algún tiempo.

La madre de Bourgeis aunque era muy cariñosa, también era posesiva y controladora con su hija. Esto se percibe en su escultura Mamá, ubicada en el exterior del Museo Guggenheim de Bilbao. La escultura de casi 9 metros de altura pertenece a una serie inspirada en la araña, motivo que apareció por primera vez en varios dibujos realizados por la artista en los años 40, y ocupó un lugar primordial en su producción durante la década de 1990. Las arañas se presentan como una oda a su madre que era tejedora. La maternidad es el tema central de la obra. Pone de manifiesto su duplicidad y ambigüedad, la madre es protectora y depredadora al mismo tiempo. La araña utiliza la seda tanto para fabricar el capullo como para cazar a su presa. Así podemos observar que la maternidad puede ser frágil y fuerte al mismo tiempo. Sentimientos complicados y enmarañados que presenta una madre hacia sus hijos, y los hijos hacia su madre. Debido a su afán de proteger, tal vez merme la capacidad de enfrentarse al mundo de los hijos.

Esta imponente Mamá gigantesca se sostiene sobre unas ligeras patas que semejan arcos góticos, realizan la función de jaula y, a la vez, deBourgeois mama guarida protectora de una bolsa llena de huevos que se encuentran peligrosamente adheridos a su vientre. Ambigüedades de nuevo. La araña provoca miedo y pavor pero debido a su gran altura equilibrada sobre sus ligeras patas, transmite una vulnerabilidad casi conmovedora.

Festival Miradas de Mujeres

miradasdmujerDurante todo el mes de marzo y por toda España, en diferentes museos, galerías y espacios dedicados al arte, se está celebrando el Festival Miradas de Mujeres. Iniciativa de MAV, mujeres en las Artes Visuales, cuyo propósito inicial es fomentar el papel de la mujer dentro de todos los ámbitos profesionales de las Artes Visuales, desde la creación artística al comisariado, la crítica, la investigación y la gestión. El festival proporciona visibilidad y reconocimiento al trabajo de las mujeres dentro del ámbito artístico. Trabaja por la igualdad y los derechos de las mujeres.

Tiene una gran repercusión porque ha conseguido que más de 1000 artistas, 162 sedes institucionales entre museos, centros de arte, salas, ayuntamientos y universidades; 146 sedes particulares: galerías de arte, asociaciones y espacios privados. 18 Universidades y 7 Museos estatales hayan realizado actividades culturales en 15 Comunidades Autónomas diferentes repartidas por toda España. Podemos disfrutar de 253 exposiciones y 94 actividades paralelas (concursos, certámenes, conferencias, seminarios)

Bilbao se ha sumado a esta iniciativa y participa un espacio multidisciplinar Estudios a tu aire que realiza una exposición de fotografías titulada “Naturaleza de mujer” formada por 16 imágenes que representan la conexión de la mujer con la naturaleza, desde su conciencia individual y como parte del mundo natural. Destaca la sensibilidad de las fotógrafas y podemos apreciar el papel activo de las mujeres en el mundo de la fotografía. Puede visitarse hasta el 15 de marzo.

La galería Vanguardia contribuye al Festival con una exposición individual de la artista Marion Thieme titulada El cuerpo del color. La obra de Marion Thieme desde el punto de vista técnico constituye un proyecto coherente donde obra y géneros se presentan como elementos de un único proyecto. Pinturas, esculturas y fotografías forman parte de una estructura total. Podemos disfrutar de la muestra hasta el 24 de abril.

También ha querido formar parte de esta iniciativa el Museo de Bellas Artes de Bilbao. Hasta el 31 de marzo expone agrupadas una veintena de obras realizadas por mujeres. Exposición formada por dibujos, pinturas y grabados que abarcan desde el siglo XIX hasta nuestros días. Donde cabe resaltar la obra de la pionera Rosa Bonheur, María Blanchard o Maruja Mayo.

festival_miradas_mujeres

Como el festival se celebra por toda España seguro que tienes cerca algún museo, galería, centro cultural o universidad para poder ver las exposiciones que se celebren en tu ciudad.

Para saber más: http://festivalmiradasdemujeres.es

Si te gusta el blog me puedes seguir en Facebook o Twitter. Además de que estaré encantada de recibir todo tipo de sugerencias y opiniones.

Muchas gracias por estar ahí!!!!!

Isabella d´Este

Tiziano

Tiziano

Isabella d´Este Gonzaga (1474-1539) fue la duquesa de Mantua y ha pasado a la historia por ser una excepcional mecenas y coleccionista de arte.

A pesar de ser un fenómeno extraño en la historiografía ( ya que no se conserva casi documentación cuando la mecenas era una mujer) se conserva numerosa documentación de la actividad como mecenas y coleccionista de Isabella. Gracias a que se conservan 20.000 copias de las cartas que escribió entre 1490 y 1539, así como las 60.000 recibidas, se ha podidio realizar un magnífico catalogo de piezas y la narración de sus frecuentes contaactos con agentes y artistas para conseguir obras. Entre ellas cabe destacar las negociaciones con Giovanni Bellini, Lorenzo Costa, Leonardo da Vinci y Pietro Perugino.

Isabella era hija de Ercole d´Este (m. 1505) y de Eleonora de Aragón (m. 1493). Se educó en la corte de Ferrara, en un ambiente refinado y heredó de su padre la pasión por el arte y el coleccionismo. Incluso llegaron a competir para la compra de algunas de las primeras piezas que ella adquirió en Mantua.

A los quince años dejó la corte de Ferrara para casarse con Francesco II Gonzaga, duque de Mantua. Tuvo siete hijos, incluyendo un heredero. Isabella junto a su esposo Francesco realizaron una colección de arte para la construcción de una imagen conjunta familiar. Una imagen de poder. El coleccionismo de Isabella quedaba bajo el paraguas (o al servicio) del proyecto patriacal del linaje (Bourne, 2001)

Isabella ejerció el coleccionismo con una gran intensidad, tanto o más que sus colegas masculinos de su época. Por ello presenta un ejemplo paradigmático del coleccionismo y de la historiografía feminista.

Andrea Mantegna

Andrea Mantegna

Como dama del Renacimiento, quiso ser recordada por su castidad y su fidelidad marital. Y para ello recurrió al arte. Sus habitaciones privadas de Mantua presentaban escenas como la batalla entre vicio y virtud, así como damas romanas que habían preservado su reputación y su virginidad. De la misma manera, también sentía predilección por las musas. Su humanista preferido Mario Equicola se refería a ella como “la décima musa”. Las musas aparecían decorando su studiolo y en la grotta. En esta última, estaban situadas en el portal de entrada, creado por Gian Cristaforo Romano. En el studiolo se encontraba el famoso Triunfo de la Virtud de Andrea Mantegna (1431-1506) donde alegoricamente retrata a Isabella como Venus y a su marido como Marte. Ambos en igualdad, pero con una identidad totalmente diferente.

 

Mujeres artistas

PicMonkey Collage artistas mujeres

Os propongo un juego, en el collage hay obras de diversas artistas femeninas de los siglos XIX Y XX, ¿sabes a quién pertenece cada una? y lo que es más interesante ¿Qué te sugiere cada una de las obras? ¿Y en conjunto?